Schmerz in etwas Positives verwandeln und Kunst als Therapie nutzen

Er wusste, dass er den Weg zu einem „mutigen, aufregenden Leben“ unter anderen „kreativen Menschen“ einschlagen und dabei „erstaunliche Dinge tun und leben“ wollte.

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LOS ANGELES – Wie viele Menschen, die mit einer Neigung zum kreativen Ausdruck geboren wurden, wusste Carl Hopgood schon in jungen Jahren, dass er Künstler werden wollte.

Der in Cardiff geborene Hopgood wuchs auf einer kleinen Farm im ländlichen Wales auf und verbrachte seine Kindheit umgeben von Tieren und der Natur. Er ließ seiner Fantasie freien Lauf und erschuf Welten, die er sich mit Körben, Obstkisten, Blumen, Steinen, Zeitungsausschnitten und anderen Gegenständen vorstellte das hat ihm gefallen. Dann, im Alter von sieben Jahren, wurde er eingeladen, einen Nachmittag mit seinem besten Freund zu verbringen, dessen Cousin zu Besuch war; Dieser Cousin war zufällig Richard Burton, und er wurde zufällig von seiner noch berühmteren Frau, Elizabeth Taylor, begleitet.

Hopgood war nicht nur beeindruckt, er war auch inspiriert.

„Meine Welt war nach diesem Tag nicht mehr dieselbe“, erzählt er der Blade. „Sie erzählten Geschichten über Hollywood, London, glamouröse Partys, Filme, Fotografie … und Andy Warhol! Andy Warhol war mein erster Künstlerschwarm. Er wurde auch auf einer Farm geboren, also fühlte ich mich sofort verbunden.“

Nach dieser Erfahrung wusste er, dass er den Weg zu einem „mutigen, aufregenden Leben“ unter anderen „kreativen Menschen“ einschlagen und dabei „erstaunliche Dinge tun und leben“ wollte. Vier Jahrzehnte und eine Kontinentaltransplantation später kann man das mit Sicherheit sagen Hopgood hat sein Ziel erreicht.

Als erfolgreich etablierter Künstler aus Los Angeles hat er ein einzigartiges Werk geschaffen, das Stücke aus den Bereichen Neon, Skulptur, Film-/Videoinstallation und Leinwandmalerei umfasst; Zu seinen Sammlern zählen Morgan Freeman, Eugiono Lopez, The Vinik Family Foundation, The Groucho Club und Rupert Everett; und aktuelle Ausstellungen seiner Arbeiten – wie seine Neonkunstinstallationen „Looking For Love In All The Wrong Places“, „My Heart Is Open“ und „You Changed My Life“ in der Maddox Gallery in West Hollywood sowie „Chair Therapy“ im UTA Artspace LA der United Talent Agency – haben große Begeisterung und zunehmende nationale Aufmerksamkeit erregt.

Die letztgenannte Installation erregte besonderes Aufsehen mit der Einbeziehung einer umstrittenen Neonskulptur namens „Just Say Gay“, Hopgoods Antwort auf die drakonische Anti-LGBTQ-Gesetzgebung, die vom Gouverneur von Florida, Ron DeSantis, befürwortet wurde. Dieses Werk wurde von der bekannten Sammlerin Beth Rudin DeWoody erworben und wird ab Dezember 2023 in ihrem Bunker Art Space in West Palm Beach, Florida, ausgestellt.

Wenn Hopgood mit Blade spricht, ist er bestrebt, die Diskussion auf ein neues Ziel zu konzentrieren – die Fertigstellung eines Dokumentarfilms über die Entstehung von „Chair Therapy“. Just Say Gay“ und viele seiner anderen Werke, weil die beiden Themen Hand in Hand gehen.

„Als schwuler Mann walisischer und griechischer Abstammung“, verkündet er stolz, „wurde der Kampf gegen Mobbing, Unterdrückung, Ungerechtigkeit und Diskriminierung zu zentralen Themen meines künstlerischen Ausdrucks.“

Wie er erklärt, hat dieser Kampf seine Wurzeln in einer traumatischen Kindheitserfahrung. „Ich wurde von Klassenkameraden gemobbt“, erinnert er sich. „Sie verfolgten mich, stießen mich zu Boden und traten mir in die Leistengegend. Es gelang mir zu fliehen und ich fand Zuflucht unter einem Stuhlstapel in der Aula der Schule. Der Schultherapeut half mir, damit klarzukommen, indem er eine Technik namens „Empty Chair“ anwendete Therapie, bei der Sie mit einem leeren Stuhl über Ihre Gefühle sprechen würden.

„Ich beschloss, diesen Schmerz in etwas Positives umzuwandeln und Kunst als meine Therapie zu nutzen.“ Viel später ließ sich der junge Hopgood von der konfrontativen Ästhetik von Damien Hirst inspirieren – nachdem er in der Zeitung eine vernichtende Kritik an einem seiner Werke gelesen hatte – und folgte ihr Er trat in die Fußstapfen des umstrittenen Künstlers und ging zum Goldsmiths College in London, wo er schließlich Teil einer Bewegung mit anderen Absolventen wie Steve McQueen, Jason Martin, Ceal Floyer, Angela De La Cruz und Alessandro Raho wurde.

„Es war ein unglaublicher Moment, ein junger Künstler im London der 1990er Jahre zu sein.“

Dennoch entschied er nach 20 Jahren in der Londoner Kunstszene, dass es Zeit für eine Veränderung war.

„Ich hatte gerade einen Dokumentarfilm mit David Hockney gesehen“, erklärt er. „Die Freiheit und Möglichkeiten von Davids Arbeit wurden eindeutig von Südkalifornien mit seiner wunderschönen Farbpalette und dem offenen, sonnigen Himmel inspiriert. Es war ein starker Kontrast zum düsteren Wetter in Großbritannien und den Ängsten und Depressionen, die sich im Laufe der Jahre angesammelt haben. Das hatte ich.“ Ich hörte von der wachsenden Kunstszene in LA – LACMA, MOCA und The Broad begannen, ein internationales Publikum anzulocken – und beschloss, dass ein Umzug nach Los Angeles sowohl meiner geistigen Gesundheit als auch meiner Kreativität zugute kommen würde.

Die Wahl war für ihn ein Zufall – „Es war der perfekte Zeitpunkt“, sagt er, „und ich war bereit, in neuen Medien zu arbeiten und mein Repertoire zu erweitern.“ Dann musste er, wie der Rest von uns, alle seine Pläne auf unbestimmte Zeit auf Eis legen.

„Anfang 2020, als die Pandemie ausbrach“, erzählt er uns, „sah ich, wie alle Bars und Restaurants in West Hollywood geschlossen waren. Es war wie eine Geisterstadt. Als ich durch die Schaufenster der Geschäfte schaute, konnte ich nur gestapelte Stühle sehen.“ übereinander – und dieses Bild versetzte mich direkt in meine unglückliche Kindheit zurück.

Er beschloss, es als Inspiration zu nutzen und begann mit der Arbeit an der ersten Skulptur der „Chair Therapy“-Serie („My Heart is Open“) – die sich, wie er beschreibt, mit „toxischer Männlichkeit, Unterdrückung und queerer Identität, Themen, die ich schon immer beschäftigt habe“, befasst verfochten.“

Diese Themen stehen zweifellos auch zumindest teilweise hinter seinem Wunsch, dass der geplante Dokumentarfilm mit dem Titel „Fragile World“ Wirklichkeit wird. Der während der Pandemie gedrehte Film stellt Hopgood vor, indem er seine persönliche künstlerische Reise nachzeichnet. Im Mittelpunkt steht jedoch die Entwicklung der „Stuhltherapie“, bei der er gefundene und Vintage-Holzstühle mit Neonlichtern kombinierte, die zu positiven Worten geformt waren, um Hoffnung, Liebe und Unterstützung zu spenden eine Gemeinschaft, die am stärksten von Covid und den damit verbundenen Schließungen betroffen war.

„Als ich diese gestapelten Stühle und Tische in diesen leeren Lokalen sah, wusste ich, dass einige endgültig schließen mussten. Ich fühlte mich so hilflos, aber ich wusste, dass ich etwas tun konnte.“

Jetzt, da seine eigene am stärksten betroffene Gemeinde – neben vielen anderen – der aggressiven gesetzgeberischen Unterdrückung durch die extremistische Rechte ausgesetzt ist, ist er entschlossen, die Fertigstellung des Films zu erreichen, damit die gleiche kraftvolle Botschaft des Optimismus, die in seiner Arbeit zum Ausdruck kommt, einem größeren Publikum vermittelt werden kann als Erinnerung daran, nicht zuzulassen, dass die Tyrannen ihren Geist brechen. Zu diesem Zweck hat die Regisseurin und Produzentin des Dokumentarfilms, die in LA lebende britische Filmemacherin Kate Rees Davies, eine Indiegogo-Kampagne ins Leben gerufen, um die für die Fertigstellung des Projekts erforderlichen Mittel aufzubringen.

Eine weitere, vielleicht noch persönlichere Motivation könnte in Hopgoods Enthüllung eines verborgenen Einflusses in einem anderen Werk aus der „Empty Chairs“-Reihe zu finden sein: „Twelve Steps“, das den massiven finanziellen Erfolg einer kalifornischen Zitrusindustrie untersucht, die durch die Harte ermöglicht wurde Arbeit einer getrennten mexikanischen Einwanderergruppe. „Ich wurde bei diesem Stück auch von einer Zeile des griechischen Dichters Dinos Christianopoulos inspiriert“, sagt er, „der in den 1970er Jahren von der griechischen Literaturszene ausgeschlossen wurde, weil er schwul war. Es handelt sich um einen kleinen, aber kraftvollen Vers, der in die Sammlung aufgenommen wurde.“ „Der Körper und der Wermut“ mit der Aufschrift: „Was hast du nicht getan, um mich zu begraben, aber du hast vergessen, dass ich ein Samenkorn war?“

Für Hopgood stellt der Dokumentarfilm möglicherweise auch einen Samen dar, den er selbst in der Hoffnung gepflanzt hat, seine positive Kraft in die Welt zu tragen – und er zählt auf die Unterstützung seiner Gönner durch Indiegogo für das Wasser, das Licht und die Nahrung, die er dafür benötigt wachsen.

Der renommierte Historiker Martin Duberman reflektiert in „Reaching Ninety“ ein erfülltes Leben.

LA vs Hate arbeitet bei Wandgemälde mit der Anti-Defamation League zusammen

„A Transparent Musical“, bahnbrechende queere Bühnenserie

Studie: Awareness-Kondome dürfen nicht als Beweismittel für Festnahme verwendet werden

Neue Memoiren blicken zurück auf Stonewall und seine Bemühungen, Homosexualität zu „heilen“.

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Der renommierte queere Historiker, Dramatiker, Autor und LGBTQ-Aktivist Martin Duberman, 93, begann im Alter von vier Jahren mit dem Schreiben von Geschichten. „Sie existieren immer noch“, sagte Duberman, emeritierter Professor für Geschichte an der City University of New York (CUNY), gegenüber Blade in einem Telefoninterview. „Sie liegen bei meinen Papieren in der New York Public Library.“

Duberman versteht nicht, was ihn zum Schaffen trieb. „Ich würde diese moralischen Geschichten schreiben“, sagte er, „handgenähte Innenhüllen. Darüber, wie Alice lernte, das zu tun, was ihre Mutter ihr sagte.“

Duberman, der etwa zwei Dutzend Bücher und Theaterstücke geschrieben hat, hat nicht mit dem Schreiben aufgehört.

Nennen Sie fast alles und jeden und er hat darüber geschrieben: vom Stonewall-Aufstand bis zum Schauspieler und Bürgerrechtler Paul Robeson. In seinen Memoiren „Cures“ erzählt er, wie Psychologen versuchten, ihn von seiner „Homosexualität“ zu „heilen“.

Als er 70 war, schrieb er „Haymarket“, einen Roman, der 1886 in Chicago während der Proteste von Arbeiteraktivisten spielt.

Sein neuestes Buch„Neunzig erreichen“ ist eine Erinnerung. Darin erinnert sich Duberman an die Menschen, Ereignisse und die Arbeit seines Lebens – vom Coming-out bis zur Studienzeit, über seine Beziehungen zu seiner geliebten Hündin Emma (benannt nach der feministischen und anarchistischen Ikone Emma Goldman) bis hin zum Alter.

In „Reaching Ninety“ zitiert Duberman den Ausspruch „Alter ist nichts für Weicheier.“ Aber: „Das Problem ist, dass ich einer bin“, fügt er hinzu, „das ist Teil meines kulturellen Erbes.“ Es gebe einen roten Faden durch seine Arbeit, sagte Duberman, der CLAGS gründete: CUNYs Center for LGBTQ Studies, das erste universitäre LGBTQ-Forschungszentrum in den Vereinigten Staaten. „Ich habe versucht, das historische Schreiben neu zu erfinden.“

Wenn man als Historiker einen Bericht über vergangene Ereignisse vorlegt, ist es wichtig, den bekannten Beweisen treu zu bleiben, sagte Duberman. „Aber Sie müssen sich im Klaren sein“, fügte er hinzu, „die Beweise, die uns vorliegen, sind unvollständig und verzerrt.“

Zu Beginn seiner Karriere als Historiker schrieb Duberman mit einer traditionelleren Sicht auf die Geschichte: dass Geschichte objektiv bekannt und aufgezeichnet werden könne. Als ob der Hintergrund des Historikers keinen Einfluss darauf hätte, wie er Geschichte schrieb.

Dubermans frühes Werk wurde gut aufgenommen. Seine Biografie „Charles Francis Adams, 1807–1886“ aus dem Jahr 1961 gewann den renommierten Bancroft-Preis.

Doch als Duberman persönlich und beruflich reifer wurde, begann er, den Anspruch auf Objektivität in Frage zu stellen. Er erkannte, dass Subjektivität ein wesentlicher Bestandteil der Geschichtsschreibung ist.

„Der Historiker – mit seinem eigenen Hintergrund – in seiner eigenen Zeit – ist in der Geschichte, die er schreibt, immer präsent“, sagte Duberman, der seinen Doktortitel erworben hat. von der Harvard University im Jahr 1957.

Historiker müssten sich an die Beweise halten, betonte Duberman. „Aber sie müssen sich dazu entschließen, offen zu sagen, wer sie sind, und teilweise sogar in der Ich-Perspektive zu schreiben. Um ihre Reaktion auf Beweise zu erklären.“ Die Reaktionen von Historikern auf die Beweise, die sie über die Vergangenheit entdecken, könnten sich darauf auswirken, wie sie schreiben Geschichte, bemerkte er.

Historiker wissen nicht immer in vollem Umfang, welchen Einfluss ihre Herkunft auf ihre Geschichtsinterpretationen hat. Aber sie sollten davon ausgehen, dass zumindest einige ihrer Epochen und Ansichten vorhanden sind, sagte Duberman.

„Für mich hängt die Wahl davon ab, wie deutlich ich sein soll“, sagte er, „und wie ich es bekannt machen werde.“

Dies war eine neue Art, über Geschichte zu denken und zu schreiben. Nehmen Sie Dubermans 1972 erschienenes Buch „Black Mountain: an Exploration in Community“. Im 20. Jahrhundert war das Black Mountain College eine Künstlergemeinschaft. Aber es war, wie damals üblich, homophob. Ein Fakultätsmitglied von Black Mountain wurde verhaftet, weil er in einem Auto Sex mit einer Minderjährigen hatte, schreibt Duberman in „Reaching Ninety“. Er wurde mit einer Bewährungsstrafe entlassen. Er sei „sofort ein Paria“ geworden, habe sofort gekündigt und niemand aus der Gemeinde des College habe ihm Hilfe angeboten, schreibt Duberman.

Als Duberman sein Buch „Black Mountain“ schrieb, fühlte er sich gezwungen, sich als schwul zu outen. Als Historiker transparent darüber sein, wie sich seine Biografie auf sein Geschichtsbild ausgewirkt hat.

„Man kann sich kaum einen Ort vorstellen, der bei der Selbstzerstörung eines Individuums so umfassend kooperieren könnte wie Black Mountain“, schrieb Duberman in seinem Black-Mountain-Buch darüber, wie das College den schwulen Lehrer behandelte, „und tatsächlich davon auszugehen, dass es abgeschottet war.“ ."

„Aber vielleicht übertreibe ich, eine Folge meiner eigenen Empörung als Homosexueller, als potenzielles Opfer“, fügte er hinzu.

Als das Buch 1972 veröffentlicht wurde, erhielt Dubermans Coming-out als Reaktion auf einen Vorfall in der Geschichte des Black Mountain College gemischte Kritiken.

Er wurde in historischen Fachzeitschriften angeprangert. „Der Rezensent der New York Times hat mein Coming-out als eine vage unsaubere Angelegenheit abgetan“, schreibt Duberman in „Reaching Ninety“.

„Andere Leute standen dem Buch wohlwollend gegenüber“, sagte Duberman, „sie waren Akademiker, keine Historiker.“

Historiker seien eine konservative Gruppe von Menschen, sagte Duberman. „Sie widmen ihr Leben der Bewahrung – unterstreichen – der Vergangenheit“, sagte er. „Sie sind wahrscheinlich nicht an einem kombinierten Format interessiert, das die Vergangenheit mit der Gegenwart verbindet.“

Duberman hat keine Ahnung, was ihn in die Geschichte verwickelt hat. „Es war unausweichlich eine unbewusste Entscheidung“, sagte er. „Ich war hin- und hergerissen zwischen Literatur und dem Wunsch, Schriftstellerin zu werden. Mehr über die Vergangenheit herauszufinden und warum wir uns an dem Punkt befinden, an dem wir uns befinden.“

Als Duberman im ersten Studienjahr an der Yale University war, war der Mann, der seinen Geschichtsunterricht hielt, nur fünf Jahre älter als er. „Schon in seiner allerersten Klasse waren wir einander sympathisch“, sagte Duberman, „und wurden freundschaftlich. Er wurde zu einem Vorbild für mich.“

„Er ist gerade mit 99 Jahren gestorben“, fügte Duberman hinzu, „wir haben nie offen über Homosexualität gesprochen. Aber ich hatte den starken Eindruck, dass auch er schwul war.“

Duberman, der in New York geboren wurde, besuchte weder ein College noch eine Graduiertenschule. Während seines Harvard-Studiums besuchte er jedoch die beiden Schwulenbars in Boston.

Für Menschen aus Dubermans Generation, die in den 1940er und 1950er Jahren erwachsen wurden, war ein Coming-out keine Option. Sie könnten verhaftet, von der Schule verwiesen, aus Ihrer Wohnung geworfen oder von Ihrem Job entlassen werden, wenn Sie offen darüber sprechen würden, wer Sie sind. Die Leute warnten ihn davor, sich in irgendeiner Form zu outen, sagte Duberman.

Duberman und seine ältere Schwester wuchsen in einem säkularen jüdischen Haushalt auf. Sein Vater floh als junger Mann von der Arbeit auf einer Rübenplantage in Russland nach Deutschland und dann nach New York. Seine Mutter ging abends zur Highschool, während sie als Sekretärin arbeitete.

Von Kindheit an war Duberman von einer Liebe zum Theater gepackt. Er besuchte ein Theatercamp und trat in High-School-Theaterstücken auf.

Als Schüler der damaligen Jungenvorbereitungsschule Horace Mann spielte er sowohl weibliche als auch männliche Rollen. Eines Nachts bemerkte die Freundin seines Freundes Bob, dass Duberman die „Schauspielerin“ war, die an diesem Abend in einem Theaterstück eine „Stewardess“ darstellte, erinnert sich Duberman in „Reaching Ninety“. „‚Aber das kann nicht sein‘, keuchte sie, ‚du hast so schöne Beine!‘“, erinnert sich Duberman, wie sie es ihm erzählte.

Duberman, ein Universalgelehrter, würde zu einem privilegierten Insider heranwachsen und gleichzeitig ein aufmerksamer, kritischer Außenseiter bleiben.

Zu seinen zahlreichen Auszeichnungen zählen: der Vernon Rice/Drama Desk Award, drei Lambda Literary Awards, eine Sonderauszeichnung der National Academy of Arts and Letters für seine Beiträge zur Literatur und der Preis für sein Lebenswerk 2007 der American Historical Association. Er war Finalist des Pulitzer-Preises und des National Book Award.

Er und sein Lebenspartner Eli, ein Psychoanalytiker, haben gerade ihr 35-jähriges Jubiläum gefeiert. Er wird für seine Pionierarbeit in der queeren Geschichte verehrt.

Doch obwohl er weiß, Cisgender und privilegiert ist, war Duberman nie selbstgefällig oder zufrieden. Er erinnert sich noch daran, wie entsetzt er damals war, als er in den 1960er Jahren in Princeton lehrte. „Ich habe über Sklaverei unterrichtet“, sagte Duberman, „ich war wie vom Donner gerührt! Die weißen, privilegierten Studenten standen kurz davor, die Sklaverei zu verteidigen.“

„Es hat mich schockiert“, sagte er, „ich hätte nicht überrascht sein sollen. Aber ich war es.“

Je mehr er lehrte, desto unzufriedener wurde Duberman mit dem seiner Meinung nach autoritären Bildungssystem an den Universitäten. „Ich sah den Lehrer nicht als Autoritätsperson“, sagte er, „sondern als Mitschüler.“

Obwohl er eine Anstellung hatte, trat Duberman aus diesem Grund von Princeton zurück. Außerdem wagte er den Umzug von Princeton nach New York. „Dann dachten die Leute in Princeton: Wie könnte man die schönste Stadt der Welt verlassen“, sagte Duberman.

Duberman bedauert Trump und die Anti-Queer-Rechten. Er ist aber auch ein langjähriger Kritiker der LGBTQ-Rechtebewegung. Queers sollten sich seiner Meinung nach weniger um die Gleichstellung in der Ehe und mehr um Fragen der Rasse, der Klasse und der wirtschaftlichen Gerechtigkeit kümmern.

„Es gibt Widerstand gegen Trumps Lügen“, sagte Duberman, „und er taucht im Mainstream auf – im New Yorker und sogar in der New York Times.“

Die Wählerschaft sei das größte Hindernis für gesellschaftlichen Wandel, sagte Duberman. „Die LGBTQ-Community ist, wie ein Großteil des Landes, konservativ“, fügte er hinzu.

Duberman ist im Moment nicht besonders optimistisch. Aber: „Ich hoffe weiterhin, dass eine der kommenden Generationen anders sein wird“, sagte er.

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Autorin und Aktivistin über Coming-out, Intersektionalität und eine lebenslange Interessenvertretung

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(Anmerkung der Redaktion: Laut den Centers for Disease Control and Prevention hat jeder vierte Mensch in Amerika eine Behinderung. Queere und behinderte Menschen sind seit langem ein wichtiger Teil der LGBTQ-Community. Nehmen Sie zwei der vielen queeren Geschichtsikonen, die behindert waren: Michelangelo soll autistisch gewesen sein. Marsha P. Johnson, die eine heldenhafte Rolle im Stonewall-Aufstand spielte, hatte körperliche und psychische Behinderungen. Heute sind die taubblinde Fantasy-Autorin Elsa Sjunneson, der Schauspieler und bilateral amputierte Eric Graise und Kathy Martinez, eine blinde, lateinamerikanische Lesbe, die stellvertretende Arbeitsministerin für Behindertenbeschäftigungspolitik der Obama-Regierung war, nur einige der zahlreichen queeren und behinderten Menschen Menschen in der LGBTQ-Community. Dennoch wurden die Geschichten dieses wichtigen Teils der queeren Gemeinschaft selten erzählt. In seiner Serie „Queer, Crip and Here“ wird The Blade einige dieser lange ungehörten Geschichten erzählen.)

Corbett Joan O'Toole, 71, eine queere, behinderte Älteste und Disability Futures Fellow der Ford Foundation 2022, wusste eines ganz sicher, als sie in Boston aufwuchs: Sie wollte keine Krankenschwester werden.

O'Toole leidet seit ihrem 12. Lebensmonat an einer körperlichen Behinderung. „Ich scherze manchmal, dass meine Behinderung mein Geburtstagsgeschenk war, als ich ein Jahr alt wurde“, sagte sie in einem Telefoninterview mit The Blade.

O'Toole sitzt seit ihrem 30. Lebensjahr im Rollstuhl. Davor ging sie mit Krücken und Beinstützen.

Als Kind sei sie operiert worden, sagte O'Toole. „Ich habe gesehen, was Krankenschwestern getan haben“, fügte sie hinzu. „Männer sagten ihnen, was sie tun sollten. Ich wusste, dass Krankenpflege nichts für mich war.“

Schon als Kind konnte O'Toole erkennen, dass männliche Arbeitgeber gegenüber Sekretärinnen die gleiche Einstellung hatten. „Den ganzen Tag in einem Büro zu sitzen schien kein Spaß zu sein“, sagte sie. „Das Einzige, was eine weiße Frau meiner Generation als Erwachsener noch tun konnte, war, Lehrerin zu werden.“

„Ich habe beschlossen, Lehrerin zu werden“, fügte O’Toole hinzu, „wo ich mein eigenes Klassenzimmer hätte und mir kein Mann sagen würde, was ich tun soll.“

Als sie jung war, führte O'Toole ihren Angaben zufolge ein behütetes Leben. Sie wusste damals noch nicht, dass sie schwul war. „Ich wusste nicht, ob ich irgendwelche queeren Menschen getroffen habe“, sagte O’Toole, „aber ich wusste immer, dass ich starke Frauen mochte. Ich fand sie interessant.“

Und O'Toole wusste, wie viele Kinder und Jugendliche mit Behinderungen damals (und oft auch heute), dass von behinderten Menschen wenig erwartet wurde. Dass das Leben von Behinderten keinen hohen Stellenwert hatte. „Ich war die ganze Zeit mit nichtbehinderten Kindern in der Schule“, sagte O’Toole.

Fast alles war damals unzugänglich, von Bibliotheken über Gerichtsgebäude bis hin zu Kinos. Der Americans with Disabilities Act von 1990 (ADA) wurde erst Jahrzehnte später verabschiedet. „Von Ihnen wurde erwartet, dass Sie sich anpassen, auch wenn die Dinge unzugänglich waren“, sagte O’Toole.

Wenn man es in einer unzugänglichen Welt nicht schaffen würde, sei die Einstellung „Du musst nicht hier sein“, sagte O’Toole.

O'Toole traf keine anderen behinderten Menschen, außer im Sommer, als sie einen Monat in einem Camp für behinderte Kinder verbrachte. Der Direktor und das Personal seien nicht behindert, sagte O'Toole. Aber im Camp konnte sie mit 90 anderen behinderten Kindern Zeit verbringen. O'Toole konnte mit Menschen wie ihr selbst interagieren – behinderten Kindern, die ein erfülltes Leben führen. „Wir haben die Natur erkundet“, sagte sie, „wir haben Blaubeeren gesammelt und Pfannkuchen gebacken.“

Dort entwickelte O'Toole ihre lebenslange Liebe zum Sport. Als Erwachsene spielte sie wettkampfmäßig Rollstuhlbasketball und Power-Soccer. Im Sommercamp ihrer Kindheit „haben wir Bogenschießen gemacht“, sagte O’Toole, „und Baseball gespielt.“

Zu einer Zeit, als Sexismus die Norm war, durfte O'Toole Dinge tun, die Mädchen im Camp normalerweise nicht tun konnten. „Wir sind angeln gegangen“, sagte sie, „Wir haben Elektrowerkzeuge in einer Holzwerkstatt benutzt“, sagte sie, „Es war eine Stärkung!“

Wenn die Kinder im Camp etwas tun wollten, würden sie einen Weg finden, es zugänglich zu machen – damit es funktioniert, fügte O'Toole hinzu.

O'Toole, Autor von„Fading Scars: Meine queere Behinderungsgeschichte“ ein bahnbrechendes Buch, das zu den Finalisten des Lambda Literary Award gehörte, schloss 1973 ihr Studium an der Fitchburg State University mit einem Bachelor-Abschluss in Pädagogik und ihren Lehrbefugnissen ab. Im Sommer nach ihrem Abschluss zog sie mit einer Freundin nach Berkeley, Kalifornien.

O'Toole wollte unbedingt nach Kalifornien. Es würde sie aus der Kälte Neuenglands herausholen, wo es schwierig ist, sich mit Krücken oder im Rollstuhl in Eis und Schnee fortzubewegen. „Es hörte sich nach Spaß an“, sagte sie. „Ich würde in einem Teil des Landes sein, in dem mediterranes Klima herrscht – es ist Frühling oder Sommer. Kein Schnee.“

Der Umzug nach Kalifornien war für O'Toole von entscheidender Bedeutung.

Dort wurde über die Barrierefreiheit für Menschen mit Behinderungen nachgedacht. Sie traf queere Menschen und behinderte Menschen sowie viele nichtbehinderte und behinderte Lesben.

„Mit 23 kam ich raus“, sagte O’Toole, „ich traf eine Frau in einer Frauenwerkstatt.“

Sie lernte Kitty Cone kennen, eine führende Persönlichkeit der Lesben- und Behindertenrechtsbewegung. (Cone starb im Jahr 2015.) Sie verband O'Toole mit der aufkeimenden Bewegung für unabhängiges Leben. „Sie brachte mich zum Center for Independent Living in Berkeley und zur behinderten Lesbengemeinschaft“, sagte O'Toole.

Die Bewegung für unabhängiges Leben glaubt an die Selbstbestimmung und Selbstachtung behinderter Menschen. Es bekämpft Diskriminierung aufgrund einer Behinderung und betrachtet Behinderung aus einer kulturellen und sozialen und nicht aus einer medizinischen Perspektive. Unabhängige Wohnzentren sind gemeindebasierte, gemeinnützige Organisationen, die von Menschen mit Behinderungen organisiert und kontrolliert werden. Sie bieten Interessenvertretung, Informationen und andere Dienstleistungen an.

„Im Berkeley CIL gab es viele Lesben, die nicht behindert waren“, sagte O’Toole, „wir sind die Ehefrauen jeder Bewegung.“

O'Toole kam zu einem entscheidenden Zeitpunkt in der Geschichte der Behindertenhilfe nach Kalifornien – zu Beginn der modernen Behindertenrechtsbewegung. Sie wurde schnell zu einem wichtigen Teil dieser Geschichte.

O'Toole war zusammen mit Cone und Judith Heumann, der letzten Monat verstorbenen Gründerin der Behindertenrechtsbewegung, einer der Anführer einer fast einmonatigen Besetzung eines Bundesgebäudes in San Francisco, bekannt als „504 Sit“, durch behinderte Demonstranten und ihre Verbündeten -In." Als Reaktion auf den Protest unterzeichnete die Carter-Regierung die „504“-Bestimmungen, die es Schulen, Krankenhäusern und anderen Einrichtungen, die Bundesmittel erhalten, untersagten, Menschen mit Behinderungen zu diskriminieren. Diese Vorschriften waren der Vorläufer des ADA.

„Berkeley wurde zu einem Mekka“, sagte O’Toole, der in der Oscar-nominierten Dokumentation „Crip Camp“ zu sehen ist. „Behinderte Menschen kamen aus der ganzen Welt nach Berkeley.“

In den Jahren seit den 1970er Jahren gab es in O'Tooles Leben mehr Menschen, als selbst Walt Whitman sich vorstellen konnte.

Sie ist eine alleinerziehende Mutter. Ihre Tochter, die sie adoptiert hat, hat eine körperliche Behinderung. O'Toole war Gründer der Axis Dance Company, einem renommierten Ensemble behinderter und nichtbehinderter Künstler. Derzeit arbeitet sie an einem Roman und reist in einem selbstgebauten Wohnmobil.

Doch für O'Toole war es nicht immer einfach. Wie viele behinderte Eltern, insbesondere solche, die behindert und queer sind, ist sie mit Vorurteilen konfrontiert.

O'Tooles Tochter ist jetzt 30. Als sie ihre Tochter großzog, befürchtete O'Toole oft, dass sie das Sorgerecht für ihr körperlich behindertes Kind verlieren würde, weil sie alleinerziehende Mutter, behindert und queer war. Es sei heikel, sagte O'Toole, wegen der Voreingenommenheit gegenüber queeren und behinderten Menschen als Eltern.

„Die Gerichte – das Sozialsystem – nehmen Ihnen Ihre Kinder nur allzu gerne weg“, sagte O'Toole.

O'Toole musste kämpfen, um ihrer Tochter die Dienste und Bildung zu verschaffen, die sie brauchte.

„Weil ich lesbisch war, musste ich ständig im Schrank bleiben“, sagte sie, „aus Angst, dass sie mir mein Kind wegnehmen würden, wenn ich draußen wäre.“

Ihre Liebhaber müssten, wenn sie in der Nähe von Schulpersonal wären, so tun, als wären sie „nur meine Freunde“, sagte O’Toole.

Jahrzehntelang, lange bevor Intersektionalität ein modisches Schlagwort war, hat der weiße O'Toole über die Schnittstelle von Klasse, Queerness, Rasse und Behinderung nachgedacht.

„Ich bin in einem Arbeiterviertel aufgewachsen“, sagte O’Toole. „Mein Vater war Feuerwehrmann. Mir wurde viel über den Unterricht beigebracht.“

„Aber in meiner Welt war viel Rassismus verankert“, fügte sie hinzu.

Erst als sie nach Berkeley ging und Teil der Lesbengemeinschaft wurde, war sie „in Räumen mit farbigen Lesben“, sagte O’Toole.

Weiße Frauen müssten farbigen Frauen besser zuhören, sagte sie. „Wir müssen ihrem Beispiel folgen.“

O'Toole konnte nicht glauben, wie viel sie nicht darüber wusste, was farbige Frauen erlebten. Nehmen Sie nur eines: „Ich wusste nicht, dass Strafzettel zu Gefängnisstrafen führen können“, sagte sie.

„Ich muss die Arbeit machen“, fügte O’Toole hinzu, „es ist nicht ihre Aufgabe, mich aufzuklären. Es ist mein Rassismus, der mich von der Wahrheit abhält.“

Trotz aller Schwierigkeiten ist O'Toole hoffnungsvoll. Menschen sind belastbar. Sie lieben einander und kümmern sich umeinander, sagte sie. „Was tun Sie, um Hoffnung zu verbreiten“, fragte O’Toole.

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Dieses Jahr enthielten 50 % der besten Dramaserien, 25 % der besten Komödien und 60 % der besten limitierten Serien LGBTQ-Charaktere oder Handlungsstränge

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LOS ANGELES – Die Pandemie ist vorbei (zumindest in der Welt der Preisverleihungen) und Glanz und Glamour sind zurückgekehrt. Das ist der vorherrschende Eindruck der diesjährigen 74. jährlichen Emmy Awards. Die Show war von Anfang an atemberaubend und aufregend, aber trotz des Pomps und des lauten Feierlärms durfte die queere Präsenz nicht untergehen.

Der Ton der Repräsentation ertönte sofort, als die Moderatorin, die queere Komikerin Sam Jay, die in ihrem schwarzen Smoking elegant aussah, das Mikrofon übernahm. Vor der Kamera war Jay noch stärker als Moderator Kenan Thompson präsent, eine Persönlichkeit und ausgesprochen queer. Als ob ihre schwule Kraft nicht genug wäre, wurde das deutlich, als Thompson und ihr Schauspieler Boen Yang auf der Bühne scherzten. Thompson beschuldigte Yang, ein Kommentar sei „ein Hassverbrechen“, Yang erwiderte: „Nicht, wenn ich es tue. Dann ist es Repräsentation.“

Die Vertretung sollte heute Abend erfolgen. Die Sichtbarkeit war erheblich, wenn man bedenkt, dass laut GLAAD Where We Are on TV Report von den 775 regulären Charakteren der Serie nur 92 LGBTQ sind (weniger als 12 Prozent). Dieser Anteil von über 11 Prozent ist ein Rekordwert an LGBTQ-Charakteren in der gesamten Fernsehgeschichte. Der Rekord wurde durch einen Anstieg der lesbischen, bisexuellen und transgender-Charaktere, aber einen Rückgang der schwulen männlichen Charaktere im Vergleich zum Vorjahr aufgestellt.

Bei den Emmy-Nominierungen waren 50 % der Nominierten für die beste Dramaserie, 25 % für die beste Komödie und 60 % der besten limitierten Serie mit LGBTQ-Charakteren oder Handlungssträngen vertreten. Was queere Talente betrifft, so war dies eher sporadisch, stark auf „unterstützende Kategorien“ ausgerichtet und oft traten queere Talente in derselben Kategorie gegeneinander an.

Wie dem auch sei, wir sind aufgetaucht, ebenso wie andere Personen, deren Identität anerkannt wurde. Zu den wichtigsten LGBTQ-typischen Momenten gehörten:

Über den Regenbogenbereich der queeren Darstellung hinaus waren auch intersektionale, ikonische und historische Darstellungen vorhanden:

Ja, vor nicht allzu langer Zeit gab es einen Tag, an dem die Erwähnung eines alleinstehenden gleichgeschlechtlichen Ehepartners oder ein abtrünniger Pro-LGBTQ-Kommentar unsere queeren Herzen höher schlagen ließ. Diese Tage sind vorbei. Wir bekommen einen Platz am Tisch. Die Repräsentation fängt an, aufzustehen und gehört zu werden.

Für diejenigen, die zu Recht danach streben und mehr davon suchen, kam der beste Rat von Sheryl Lee Ralph: „An jeden, der jemals, jemals einen Traum hatte und dachte, dass dieser Traum nicht Wirklichkeit werden würde, nicht würde, nicht wahr werden könnte.“ Ja, ich bin hier, um Ihnen zu sagen, dass so Glauben aussieht, so sieht Streben aus, und geben Sie niemals, niemals auf.

Schauspielerin im Prozess, die ihren Südstaatenakzent perfektioniert, und ihre queere Gefolgschaft

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Daisy Edgar-Jones ist eine Schauspielerin, deren Karriere genauso floriert wie ihre Namensvetterin. In den letzten Jahren scheint sie überall zu sein. LGBTQ-Zuschauer erkennen Edgar-Jones möglicherweise an ihrer Rolle als Delia Rawson in der kürzlich abgesetzten queeren HBO-Serie „Gentleman Jack“. Sie spielte auch denkwürdige Rollen in zwei beliebten Hulu-Serien, „Normal People“ und „Under the Banner of Heaven“. Anfang des Jahres war Edgar-Jones als Noa in dem schwarzen Comedy-/Horrorfilm „Fresh“ an der Seite von Sebastian Stan zu sehen.

Mit ihrem neuen Film „Where the Crawdads Sing“ (Sony/Columbia) wird sie offiziell Hauptdarstellerin. Der Film basiert auf Delia Owens‘ gleichnamigem beliebten Buchclub-Titel und spannt einen langen Zeitraum, teils Krimi, teils Gerichtsdrama. Sie war so freundlich, der Klinge ein paar Fragen zu beantworten.

KLINGE:Daisy, hast du Delia Owens‘ Roman „Where the Crawdads Sing“ gelesen, bevor du dich für die Rolle der Kya angemeldet hast?

DAISY EDGAR-JONES : Ich habe es während meines Vorsprechens gelesen, als ich für die Rolle vorsprach. Also gingen die beiden Hand in Hand.

KLINGE:Was hat Sie als Schauspielerin an der Figur der Kya gereizt?

EDGAR-JONES : Es gab so viel an ihr, was mich ansprach. Ich denke, die Tatsache, dass sie eine sehr komplizierte Frau ist. Sie ist eine Mischung aus verschiedenen Dingen. Sie ist sanft und neugierig. Sie ist stark und sie ist belastbar. Sie fühlte sich wie eine echte Person. Ich liebe echte Charakterstudien und es kam mir wie eine Figur vor, mit der ich mich noch nie auseinandersetzen konnte. Es fühlte sich anders an als alles, was ich zuvor gespielt habe. Ihre Widerstandsfähigkeit war eine, die ich wirklich bewunderte. Deshalb wollte ich unbedingt etwas Zeit mit ihr verbringen.

KLINGE: Während Kya im Gefängnis sitzt und beschuldigt wird, die Figur Chase getötet zu haben, wird sie in ihrer Zelle von einer Katze besucht. Bist du ein Katzenmensch oder bevorzugst du Hunde?

EDGAR-JONES: Ich mag beides! Ich glaube, ich mag die Tatsache, dass Hunde dich bedingungslos lieben. Während sich die Liebe einer Katze etwas bedingt anfühlen kann. Ich finde beide sehr süß. Wenn ich mich entscheiden müsste, wären es wahrscheinlich Hunde.

KLINGE:Ich bin ein Hundemensch, daher bin ich froh, dass Sie das gesagt haben.

EDGAR-JONES: [Lacht]

KLINGE: Kya lebt im Sumpfgebiet und verbringt viel Zeit am und im Wasser. Bist du Schwimmer oder bist du lieber an Land unterwegs?

EDGAR-JONES : Ich schwimme gern, das tue ich. Ich bin viel schwimmend aufgewachsen. Wenn ich einmal im Urlaub bin, bin ich am liebsten am Meer oder an einem schönen Pool.

KLINGE: Kya ist auch eine begabte Künstlerin, und das ist es, was ihr große Freude bereitet. Zeichnest oder malst du?

EDGAR-JONES : Ich kritzele immer. Ich bin ein begeisterter Kritzler. Ich liebe es, zu zeichnen und zu malen. Ich habe es in der Schule geliebt. Ich würde nicht sagen, dass ich auch nur annähernd so geschickt war wie Kya. Aber ich liebe es zu zeichnen, wenn ich die Gelegenheit dazu bekomme.

KLINGE: Kya ist in North Carolina geboren und aufgewachsen. Was können Sie mir über Ihren Prozess sagen, wenn es darum geht, einen südlichen Akzent oder einen amerikanischen Akzent im Allgemeinen zu verwenden?

EDGAR-JONES : Es ist offensichtlich ganz anders als meins. Ich habe das Glück, dass ich seit einigen Jahren viel Zeit damit verbringe, an verschiedenen Akzenten für verschiedene Stimmen zu arbeiten, sodass ich das Gefühl habe, dass ich ein Gespür für die Unterschiede im Ton und den unterschiedlichen Vokalen entwickelt habe [ lacht]. Dabei war es natürlich sehr wichtig, alles richtig zu machen. Kya hat eine sehr lyrische, sanfte Stimme, und ich denke, dass mir der Sound aus North Carolina wirklich dabei geholfen hat, Zugang dazu zu finden. Ich habe mit einem brillanten Akzenttrainer zusammengearbeitet, der mir geholfen hat, und ich habe einfach zugehört und zugehört.

KLINGE: Während ich mir „Where the Crawdads Sing“ ansah, dachte ich darüber nach, dass Kya leicht eine Figur aus der LGBTQ-Community sein könnte, weil sie als Außenseiterin gilt, gemieden und verspottet wird und körperliche und emotionale Schäden erleidet. Sehen Sie auch Parallelen?

EDGAR-JONES : Das tue ich auf jeden Fall. Ich denke, dieser Aspekt des Außenseiterseins ist vorhanden, und dieser Film zeigt wirklich gut, wie wichtig es ist, freundlich zu allen zu sein. Ich denke, dieser Film feiert die Güte, die man einander geben kann, wenn man sich dafür entscheidet, freundlich zu sein. Ja, ich sehe durchaus Parallelen.

KLINGE:Sind Sie sich einer LGBTQ-Fangemeinde für Ihre Schauspielkarriere bewusst?

EDGAR-JONES: Ich halte mich eher von sozialen Medien fern und weiß ehrlich gesagt nicht wirklich, wer mir folgt, aber ich hoffe wirklich, dass die Projekte, an denen ich gearbeitet habe, bei allen Anklang finden.

KLINGE:Gibt es bevorstehende Schauspielprojekte, die Sie erwähnen möchten?

EDGAR-JONES : Noch keine, von denen ich wirklich sprechen kann. Aber nächstes Jahr stehen einige Dinge an, deshalb bin ich wirklich gespannt.

Sie ist die erste Trans-Schauspielerin überhaupt, die eine Tony Award-Nominierung erhielt, und die erste Trans-Darstellerin, die in einem Werk mitwirkte, das mit einem Pulitzer-Preis ausgezeichnet wurde

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NEW YORK CITY – „Ich bin nur ein Mädchen“, sagt L. Morgan Lee. Diese einfache Aussage ist ihre Selbstdefinition: ein Mädchen, das das Leben Schritt für Schritt angeht.

Für den Rest von uns ist L Morgan Lee so viel mehr. Sie ist die preisgekrönte Schauspielerin, die am Broadway in der Erfolgsshow der Saison, „A Strange Loop“, zu sehen ist. Ihr Gesangstalent übertrifft das jeder legendären Diva, sie kreiert wegweisende Theaterprojekte zum Thema Weiblichkeit und es werden Artikel der New York Times über sie geschrieben. Sie ist jetzt das „Mädchen“, das im Rampenlicht steht.

Sie ist außerdem die erste Transgender-Schauspielerin oder -Schauspielerin überhaupt, die für den Tony Award nominiert wurde.

Obwohl sie nicht die erste Trans-Darstellerin ist, die auf einer Broadway-Bühne zu sehen ist, scheint sie die gläserne (oder manche würden sagen Zement-) Decke durchbrochen zu haben, um in der oberen Talentschicht anerkannt zu werden. Sie ist die erste Transgender-Darstellerin, die in einem Werk mitwirkt, das mit einem Pulitzer-Preis ausgezeichnet wurde. Während der Pulitzer die Autorin erkennt, die sie nicht war, floss ihr kreativer Beitrag sicherlich in das letzte Buch des Stücks ein.

L Morgan hat einen komplexen Weg zur Selbsterkenntnis zurückgelegt. „Für mich war die Vorstellung, etwas anderes zu sein als das, was mir bei der Geburt zugewiesen wurde, selbst in Bezug auf das Transgender-Sein als Kind einfach lächerlich und verrückt“, sagt sie. „Es ergab einfach keinen Sinn. Es war für mich nicht angenehm, es irgendjemandem laut zu sagen oder auszusprechen. Wie würden meine Eltern oder irgendjemand anders mich ansehen? Also saß ich da und träumte. Das Träumen ist.“ , denke ich, was einen Großteil des Lebens und der Erfahrungen so vieler queerer Menschen ausmacht. Diese Träume werden zu unseren Lebensadern. Ich würde träumen und träumen. Ich habe eine Erinnerung daran, als ich vielleicht sechs Jahre alt war, mitten in der Nacht und schaute oben an meiner Decke in meinem Schlafzimmer. Ich wache mit Tränen durchnässt auf. Ich sage: Wenn ich aufwachen und ein Mädchen sein könnte, ein Mädchen, wäre alles in Ordnung. Sie fügt hinzu. „Deshalb freue ich mich so sehr, dass ich zum ersten Mal die Chance bekommen habe, am Broadway aufzutreten, und freue mich, eine Tony-Nominierung erhalten zu haben. Denn ich weiß, dass es irgendwo ein Kind gibt, das auch an die Decke schaut und dasselbe sagt.“ "

L. Morgans erstes Abenteuer mit der Schauspielerei erlebte sie als Kind und war ein ironischer Ausdruck dafür, dass ihre zukünftige Identität fließend sein würde: Sie verkleidete sich und führte „Karma Chameleon“ im Kindergarten auf. Einige Jahre später erlaubte sie sich, unter dem Deckmantel eines Halloween-Kostüms ihre wahre Identität zu entdecken. Sie ging voll in modischen Glamour-Drag und das veränderte ihre Welt für immer. „In dem Moment, als ich es tat, spürte ich einen Energieschub, den ich noch nie zuvor gespürt hatte. Ich fühlte mich endlich in vielerlei Hinsicht frei. Es war, als ob ich endlich atmen könnte.“

Als sie mit der Arbeit an „A Strange Loop“ begann, wurde sie unter der Annahme besetzt, dass sie ein Cisgender-Mann sei, der weibliche Rollen spielt. Im Laufe der jahrelangen Arbeit an dem Stück eskalierte L. Morgans Transgender-Reise und sie versuchte, aus dem Stück zurückzutreten, als ihr klar wurde, dass sie nicht mehr die Person war, die sie angeblich engagiert hatten. Sie waren sich nicht nur, wie es viele nahestehende Menschen sein können, ihrer Reise bewusst, sondern sie umarmten sie und versicherten ihr, dass sie mehr denn je dazugehörte.

„Die Charaktere, die ich gespielt habe, ermöglichten es mir, mich in gewisser Weise zu verstecken, bis ich in der Lage war, öffentlicher zu zeigen, wer ich bin. Und als ich das tat, verlieh es dem, was ich tat, sicherlich eine weitere Ebene der Tiefe. Das habe ich getan.“ Ich fühle mich wohler in meiner eigenen Haut. Ich bin gewachsen. Der Übergang hat sich mehr eingebürgert. Sowohl meine Ansichten über die Show, die Leute, die ich spiele, als auch meine Sicht auf das Leben im Allgemeinen haben sich durch den Prozess weiterentwickelt. Also, Sicherlich sieht die Frau, die ich heute bin, die Show, das Drehbuch und die Charaktere, die ich spiele, ganz anders als damals, als ich mich 2015 zum ersten Mal daran gemacht habe.“

Ihr Wachstum innerhalb der Show und das Wachstum der Show selbst sind eng miteinander verbunden. Ein Teil der Magie der Show liegt sicherlich darin, dass sie nicht so sehr „aufgeführt“ wird, sondern vielmehr aus der Seele der Schauspieler gelebt wird. L Morgan beschreibt: „Die Erfahrung von A Strange Loop war wunderschön, komplex, vielschichtig und hat sich ständig weiterentwickelt, insbesondere für mich. Jedes Mal, wenn ich mit diesem Projekt in den Proberaum zurückkam, hat sich meine eigene Linse leicht weiterentwickelt oder.“ hat sich in mancher Hinsicht weiterentwickelt.“

„Das Stück ist so stark, wie es ist, weil die Linse selbst, die Linse, durch die die Geschichte erzählt wird, sehr spezifisch und sehr ehrlich ist. Innerhalb dieser Besonderheit gibt es viele Komplikationen und Schichten und chaotische Dinge. Es gibt Dinge, die Man spricht nicht laut über ein Tabu, über das man diskutieren kann. Es gibt Dinge, die die Leute als problematisch ansehen. Darin steckt so viel drin, aber es ist ehrlich und menschlich. Es ist ein 25-Jähriger, der bald 26 wird, irgendwie durchs Leben tobt, sich unterdrückt und unsichtbar fühlt und schreit, um herauszufinden, wie er in die Welt passt. Auf diese Weise kann er seine wahrste Stimme in einer Welt finden, die es ihm eigentlich nicht erlaubt, sich so zu fühlen Er ist genug. Weil es so spezifisch auf diese Dinge ankommt, berührt die Show so viele verschiedene Menschen.“

L Morgan demonstrierte am Eröffnungsabend des Stücks, dass sie sich als selbstbewusste Transgender-Schauspielerin zeigte, die ihre Schwachstellen offenlegte, und wie sie Entscheidungen traf, als sie ins Rampenlicht der Öffentlichkeit trat. „Ich spüre eine Verantwortung. Es fühlt sich an wie ein Traum, es fühlt sich wunderbar an. Es fühlt sich aufregend an. Es ist wie alles, worum ich jemals gebeten habe, aber das ergreifendste Gefühl für mich ist die Verantwortung. Wie könnte ich mich für diese Person einsetzen.“ Das muss mich finden.

„An meinem Eröffnungsabend am Broadway versuchten wir herauszufinden, was ich mit Kleidung, Haaren und all diesen Dingen machen würde. Man bekommt nur einmal ein erstes Mal. Ihr Debüt bekommt man nur einmal. Wie mache ich das also?“ Den größten Teil dieses Moments? Ich fühlte mich roh und aufgeregt. Ich musste mich so ehrlich und klar wie möglich zeigen. Ich musste meinen rasierten Kopf zeigen, weil das etwas ist, das mir wichtig ist. Das ist etwas, was ich fast nie tue Show. Ich trat entblößt, entblößt und verletzlich auf den sehr öffentlichen roten Teppich und sprach mit meinem summenden Kopf in die Kameras. Unsere Beziehung zu Haaren ist sehr tief, besonders für Trans-Menschen, und da war etwas dabei, das sich einfach so anfühlte: Ich musste es tun. Das Kind irgendwo unter der Bettdecke muss diese Transfrau sehen, die ihr Broadway-Debüt gibt und ein hübsches Kleid trägt, einen rasierten Kopf hat und den Eindruck macht, als würde sie sich wohl fühlen. Und wenn man sie dann reden hört Darüber hört man von ihrer Verletzlichkeit und hört, dass sie nervös war, und man hört, dass sie mit Dysphorie und Selbstvertrauen zu kämpfen hatte und dass sie mit all diesen Dingen zu kämpfen hatte, die wir an unseren Haaren befestigt hatten, und sie offenbart diese Dinge. Nicht nur, weil sie wahr sind, sondern weil, wenn wir unsere Wahrheit, unsere Menschlichkeit offenbaren, dort Universalität herrscht. Es gibt eine Verbindung innerhalb unserer Verletzlichkeit.“

Während die Nominierung für den Tony ihr Broadway-Erlebnis steigert, verliert L Morgan ihre sterbliche Existenz nicht aus den Augen. „An dem Tag, an dem die Tony-Nominierungen stattfanden, brach ich zusammen und verlor völlig die Fassung in meinem Schlafzimmer. Dann wurde mir klar, dass ich mir noch eine Couch besorgen und die Wohnung aufräumen musste. Ich fühle mich immer noch normal. Es war ein wilder Traum und Gleichzeitig geht dein wirkliches Leben einfach weiter. Ich versuche nur, einen Fuß vor den anderen zu setzen.“

In der Nacht der Tonys. L Morgan wird gegen einige Schwergewichte antreten. Nicht zuletzt die Broadway-Legende Patty LuPone. L Morgan ist damit einverstanden. Ihr Traum war es, ihr Gesicht in einer der Kameraboxen im Fernsehen der Kandidaten zu sehen.

„Der Hauptgrund, warum ich das tue, ist einer, weil ich das Geschichtenerzählen liebe. Meine Erfahrung ist schwarz, meine Erfahrung ist transsexuell, aber ich bin einfach nur eine Frau. Ich bin eine Frau, die eine transsexuelle Erfahrung gemacht hat.“ Das ist meine Geschichte. Ich weiß, dass es, wie gesagt, irgendwo ein Kind gibt, das genauso ist wie ich. Für mich ist es äußerst wichtig, dieses Kind stolz zu machen, ihm das Gefühl zu geben, gesehen zu werden und ihm klar zu machen, dass es möglich ist. "

„Ich möchte, dass das Kind weiß, dass es, was am wichtigsten ist, bereits die Person ist, von der es träumt. Die Welt sagt dir etwas anderes, aber du weißt, wer du bist. An dir ist nichts falsch, an dir ist nichts falsch „Die Welt hat uns nie gesagt, dass wir eine Option sind.“

„Dieses Kind muss meine Geschichte finden. Sie müssen wissen, dass wir existieren. Das ist der Grund, warum ich so lange gebraucht habe, um öffentlich über Dinge zu sprechen und zu sprechen, weil ich nicht genug Beispiele gesehen habe. Es gibt ein Zitat: „ Sie brauchte einen Helden, und so wurde sie.“ Ich lebe wirklich danach.

Sie musste eine Transfrau namens Tony Nominee sehen. Das ist es also, was sie geworden ist.

Wenn bei der Tony Night der Gewinner ermittelt wird, wird es zwischen einer Broadway-Legende und der neuesten Broadway-Ikone sein.

Wie dem auch sei, eine weitere Grenze wurde für immer durchbrochen, und irgendwo wird einem versteckten Transmädchen klar, dass auch ihr Traum wahr werden kann.

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Der größte queere Moment des Abends war der historische Sieg von Ariana DeBose als erste Out-Frau, die den Oscar für die beste Nebendarstellerin gewann

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HOLLYWOOD – Wenn Sie dies lesen, wird der größte Moment der diesjährigen Oscars bereits eine alte Nachricht sein – aber bevor wir zu einer Diskussion darüber übergehen können, was die Siege und Niederlagen über den Stand der LGBTQ+-Repräsentation, -Inklusion und -Akzeptanz verraten Die Hollywood-Filmindustrie, darüber müssen wir sowieso reden.

Als Will Smith die Bühne im Dolby Theater betrat, um Chris Rock körperlich anzugreifen – einen professionellen Komiker, der den Job, mit dem er beauftragt wurde, in gutem Glauben ausführte, dass er dabei vor körperlicher Verletzung sicher sein würde –, weil er einen zugegebenermaßen billigen Job gemacht hatte und nicht sehr lustiger Witz, es war ein Augenblick der Oscar-Geschichte, der alles andere an diesem Abend in den Schatten stellte.

Über den Vorfall wurde so viel diskutiert, dass wir ihm hier keinen Platz einräumen müssen – so verlockend er auch sein mag –, außer der festen Überzeugung, dass Gewalt niemals eine gute Möglichkeit ist, seine Missbilligung gegenüber einem Witz zum Ausdruck zu bringen, insbesondere nicht während einer Live-Übertragung, die buchstäblich von Millionen Menschen gesehen wird.

Smith, ob er seinen Sieg als bester Hauptdarsteller nun verdient hatte oder nicht, konnte nur sicherstellen, dass seine Leistung – die ein triumphaler und historischer Moment für die Darstellung der Schwarzen in Hollywood hätte sein können, ganz zu schweigen von einem ehrenvollen Abschluss seiner eigenen langen und inspirierenden Karriere – wird für immer geschädigt sein, und die offensichtlich unaufrichtige Nicht-Entschuldigung, die seine Dankesrede ersetzte, war nur ein Paradebeispiel dafür, wie man Feuer mit Benzin löscht.

Doch diese polarisierende Darstellung ermöglicht uns auch einen Sprungbrett in das viel wichtigere Thema der queeren Sichtbarkeit in den Filmen, dank einer weiteren Kontroverse um Smith (und davon gab es wirklich so viele) aus den frühen Tagen seiner Karriere, die nachlässt viel Licht auf die homophoben Einstellungen einer Branche, die fast so berühmt ist, weil sie auf beiden Seiten des Zauns spielt, wie für die Kunst, die sie produziert.

Im Jahr 1993 war Smith in der Verfilmung von John Guares von der Kritik gefeiertem Stück „Six Degrees“ zu sehen, nachdem er als Hip-Hop-Künstler zum Schauspieler wurde und von seinem „Fresh Prince of Bel-Air“-Ruhm in eine Filmkarriere überging of Separation“ spielt einen jungen Betrüger, der ein wohlhabendes Paar aus Manhattan (gespielt von Donald Sutherland und Stockard Channing) ausnutzt und sie davon überzeugt, ihnen Geld zu geben und sogar in ihr Haus einzuziehen, bevor sie schließlich die Wahrheit herausfinden, nachdem sie nach Hause gekommen sind, um ihn zu finden im Bett mit einem männlichen Stricher.

Es überrascht nicht (es war schließlich 1993), dass einige der homosexuellen Inhalte des Stücks für die Filmversion „abgemildert“ wurden, Smith jedoch dennoch aufgefordert wurde, in einer Szene aufzutreten, in der ein Kuss zwischen ihm und seinem Co-Star Anthony Michael Hall gezeigt wird. Nachdem er zunächst zugestimmt hatte, änderte er plötzlich seine Meinung (aufgrund des Ratschlags seines Freundes und Mentors Denzel Washington, der ihn warnte, dass das Küssen eines Mannes auf dem Bildschirm sich negativ auf seine zukünftige Karriere auswirken könnte) und weigerte sich, den Kuss zu machen, was den Einsatz von Kameratricks erforderlich machte um die Szene zu vollenden.

Jahrzehnte später drückte Smith sein Bedauern über die Wahl aus und sagte, sie sei „unreif“ und er hätte mit dem Kuss weitermachen sollen – aber die Geschichte gibt dennoch einen Einblick in den Druck, der auf Schauspieler in Hollywood ausgeübt wird, für ihr Publikum heterosexuell zu wirken, nein Egal was.Trotz Fortschritten hält dieser Druck bis heute an – und Smith, dessen unorthodoxe und öffentlich scheiternde Ehe ihn bereits unter die wohl unfaire Mikroskopie gestellt hat, wurde ebenfalls beschuldigt (am berüchtigtsten von der Trans-Schauspielerin Alexis Arquette, die kontroverse Kommentare über das Paar machte (kurz vor ihrem Tod im Jahr 2016) eine Scheinehe eingegangen war, um sowohl seine eigene Sexualität als auch die seiner Frau zu verbergen, könnte dies gespürt haben, als er bei der Oscar-Verleihung seine Männlichkeit unter Beweis stellen wollte.

Ob wahr oder nicht, solche Gerüchte haben immer noch das Potenzial, Karrieren in Hollywood zu ruinieren; Und auch wenn die Annahme, dass Homophobie hinter Smiths unüberlegtem Verstoß gegen die Anstandsregeln steckte, eine oberflächliche Vereinfachung sein mag, ist es doch ein Thema, das den Kern der Frage trifft, warum die Akademie selbst im Jahr 2022 eine so miserable Erfolgsbilanz bei der Auszeichnung vorweisen kann – oder sogar inklusive – offen queere Schauspieler in der Oscar-Nacht.

Zugegeben, die Dinge haben sich verbessert, zumindest was die Möglichkeit betrifft, bei der Zeremonie Queerness zur Schau zu stellen. Am Sonntagabend war unsere für die beste Hauptdarstellerin nominierte Kristen Stewart mit ihrer Verlobten Dylan Miller anwesend. Das Paar küsste sich öffentlich auf dem roten Teppich, als sie zu den Feierlichkeiten kamen. Das Trio weiblicher Moderatoren – zu dem neben unserer farbigen Frau Wanda Sikes auch die Comedian-Kollegen Amy Schumer und Regina Hall gehörten – pries während ihrer Eröffnungspräsentation Floridas „Don't Say Gay“-Gesetz mit einem trotzigen Witz.

Jessica Chastain – die für die Rolle der ungewöhnlichen LGBTQ-Verbündeten und AIDS-Anwältin Tammy Faye Baker in „The Eyes of Tammy Faye“ als beste Schauspielerin ausgezeichnet wurde – hielt eine emotionale Rede, in der sie die Anti-LGBTQ-Gesetzgebung anprangerte und dafür plädierte, dass alle Menschen „so akzeptiert werden, wie wir sind“. als den zu akzeptieren, den wir lieben, und ein Leben ohne Angst vor Gewalt oder Terror zu führen.“

Zahlreiche Teilnehmer des Abends, ob männlich oder weiblich, queer oder hetero, nutzten die Gelegenheit, mit ihrer Couture für den Abend Geschlechtergrenzen zu sprengen (danke dafür, Timothée Chalamet). Elliot Page, der sich Jennifer Garner und JK Simmons zu einem „Juno“-Reunion anschloss, war der erste Transmann, der bei den Academy Awards als Moderator auftrat. Schließlich teilten sich zwei beliebte queere Ikonen die Bühne für das Finale des Abends, als Lady Gaga von der an den Rollstuhl gefesselten Liza Minnelli begleitet wurde, gebrechlich, aber voller offensichtlicher Freude darüber, dort zu sein, um den Preis für den besten Film zu überreichen.

Der größte queere Moment des Abends war natürlich auch einer der ersten: Ariana DeBoses historischer Sieg als erste Out-Frau, die den Oscar als beste Nebendarstellerin gewann. De Bose nahm die Auszeichnung entgegen (für die sie mit Abstand als Spitzenkandidatin galt) und betonte neben ihren anderen sich überschneidenden Identitäten stolz ihr Queersein und sagte: „Sie sehen eine offen queere farbige Frau, eine Afro-Latina, die ihre Stärke gefunden hat.“ Leben durch Kunst. Und das ist, glaube ich, das, was wir hier feiern wollen.“ Den anderen queeren Nominierten des Abends erging es nicht so gut. „Flee“, der dänische Dokumentarfilm über die Flucht eines schwulen afghanischen Flüchtlings aus seiner Heimat als Teenager, schrieb Geschichte, indem er dreifache Nominierungen als „Bester Dokumentarfilm“, „Bester internationaler Spielfilm“ und „Bester Animationsfilm“ erhielt, ging aber mit leeren Händen nach Hause. Stewart – der einzige andere offen queere Schauspieler-Nominierte – verlor gegen Chastain in der Kategorie „Beste Hauptdarstellerin“, und der umstrittene, aber queer thematisierte „Power of the Dog“ verlor seine Bewerbung als bester Film an „CODA“ sowie alle seine mehrfachen Schauspiel-Nominierungen – obwohl seine Regisseurin Jane Campion, die bereits die erste Frau war, die zweimal für den Preis für die beste Regie nominiert wurde, die dritte Frau wurde, die ihn tatsächlich gewann.

Natürlich sollte der Oscar, wie jede andere Auszeichnung auch, an den Nominierten verliehen werden, der es am meisten verdient, unabhängig von Sexualität, Geschlecht oder einem anderen „Identitätsstatus“, und es scheint unvernünftig zu sein, von allen queeren Nominierten zu erwarten, dass sie gewinnen – obwohl manche das vielleicht meinen Ein wenig reparative Günstlingswirtschaft wäre nicht unbedingt eine schlechte Sache, wenn es darum geht, die Waage auszubalancieren. Trotzdem hat niemand eine Chance zu gewinnen, wenn er nicht einmal nominiert ist, und genau hier ist Oscar wiederholt und beharrlich gescheitert.

Laut einem aktuellen Bericht von Professor Russell Robinson, Fakultätsdirektor des Center on Race, Sexuality & Culture in Berkeley Law, zeigt die Analyse von mehr als einem halben Jahrhundert Nominierungen für Oscar-Schauspieler, dass von 68 Nominierungen (und 14 Siegen) Künstler mit LGBTQ-Charakteren nominiert wurden Nur zwei Nominierte – von denen keiner gewann – wurden im wirklichen Leben als LGBTQ identifiziert.

Während Schauspieler wie Tom Hanks („Philadelphia“), Sean Penn („Milk“), Penélope Cruz („Parallel Mothers“ und „Vicky Cristina Barcelona“) und der verstorbene William Hurt („Der Kuss der Spinnenfrau“) Karriere machten Obwohl sie neben ihren Oscars für die Darstellung queerer Charaktere immer mehr Anerkennung finden, gibt es keine vergleichbaren Erfolgsgeschichten für queere Schauspieler, die heterosexuelle Rollen spielen – tatsächlich haben in der gesamten Geschichte des Films nur acht offen queere Darsteller eine Nominierung für irgendeine Rolle, egal ob queer oder nicht, erhalten Oscars, und kein Transgender-Darsteller hat jemals einen erhalten.

Auch wenn man glauben könnte, dass sich Statistiken wie diese zumindest allmählich ändern, bedenken Sie, dass beide bisherigen Oscar-Nominierungen von Benedict Cumberbatch für die Darstellung schwuler Männer galten, darunter auch für „Power of the Dog“ in diesem Jahr (der erste war für die Darstellung von echten Männern). Life-Queer-Held Alan Turing in „The Imitation Game“).

Das Thema, ob heterosexuelle Schauspieler überhaupt angemessen sind, die queere Charaktere spielen, wird natürlich heiß diskutiert, mit vernünftigen Argumenten – und queeren Stimmen, die sie unterstützen – auf beiden Seiten. Wir werden hier nicht versuchen, dieses Thema eingehend zu untersuchen, aber was auch ohne die oben genannten Statistiken offensichtlich ist, ist, dass die Akademie – oder besser gesagt, Hollywood selbst, wenn man es aus einem größeren Blickwinkel betrachtet – ein tief verwurzeltes Vorurteil gegenüber hat Queerness, egal wie laut sie sich als Verbündete verkündet.

Ja, vor allem in den letzten Jahren wurden unbestreitbar Fortschritte erzielt; Die starke Präsenz von Filmen wie „Moonlight“, „Call Me By Your Name“, „Bohemian Rhapsody“ und anderen LGBTQ-orientierten Titeln an den letzten Oscar-Abenden ist weder unbemerkt noch unbeachtet geblieben.

Dennoch reagiert die Akademie – und auch die Branche, die sie vertritt – auf Kritik an ihrer Inklusivität immer nur mit halben Sachen. Um der sexuellen Belästigung von Frauen am Arbeitsplatz ein Ende zu setzen, braucht es mehr als einen Hashtag, egal wie oft er während einer Preisverleihung auf dem Bildschirm erscheint, und es braucht mehr als eine symbolische Nominierung alle paar Jahre, um einer unterrepräsentierten Bevölkerung einen fairen Platz zu verschaffen auch am Tisch.

Die diesjährige Zeremonie verlief nicht ohne Fehltritte. Die Entscheidung, Auszeichnungen aus der Sendung für Zeit zu streichen und gleichzeitig Minuten für eine Hommage an James Bond oder die Aufführung eines Liedes („We Don’t Talk About Bruno“ aus Disneys „Encanto“) zu verwenden, das noch nicht einmal nominiert war; Begleitung der jährlichen „In Memoriam“-Hommage an die Verstorbenen des Jahres mit einer choreografierten Tanz- und Gesangsdarbietung; die Unsensibilität, einige Gewinner (wie „Drive My Car“-Regisseur Ryusuke Hamaguchi, der akzeptierte, als sein Film den Preis für den besten internationalen Spielfilm gewann) dazu zu drängen, ihre Reden zu beenden, während andere ungestört weitermachen konnten; Diese und andere unüberlegte Entscheidungen hatten der Show bereits geschadet, bevor „die Ohrfeige, die man auf der ganzen Welt hörte“, jemals passierte. Nichtsdestotrotz fühlte sich diese Oscar-Show authentischer an als viele andere in der jüngeren Vergangenheit. Es hatte eine raue, unvorhersehbare Qualität, die möglicherweise auf die umstrittene Entscheidung der Akademie zurückzuführen war, mehrere „geringere“ Auszeichnungen auf eine Präsentation vor der Show zu beschränken, die sich in der unangenehmen Reaktion des Publikums auf den oft scharfen Humor der Hostessen Sikes, Schuman und Hall – die während der gesamten Show gnadenlos Hollywoods „Sag eins, mach etwas anderes“-Ansatz in Bezug auf Sexismus, Rassismus, Homophobie und mehr aufspießen, oft mit sichtbarer Besorgnis darüber, wie ihre Witze landen könnten.

Ungeachtet ihrer Nervosität waren ihre Anwesenheit und ihr komödiantischer Appell an die Heuchelei der Branche sowie die Bereitschaft der Prominenten im Haus, darüber zu lachen, ein Element, das das Geschehen so belebte, dass es nicht nur erträglich, sondern manchmal sogar unterhaltsam wurde.

Das bedeutet nicht, dass sich die Akademie auf ihren Lorbeeren ausruhen kann. Während es üblich geworden ist, dass ihre Preisverleihung – und auch alle anderen – als eine Art Promi-Braten dient, bei dem Witze gemacht und über das aktuelle Thema der Branche, die anhaltenden Probleme in Hollywood, gelacht werden lässt sich nicht einfach dadurch korrigieren, dass man den Arbeitern erlaubt, Dampf abzulassen, indem man sich einmal im Jahr über sie lustig macht.

Die Filmindustrie ist der Meinung, dass sie durch den selbstironischen Humor über ihre eigene Frauenfeindlichkeit, ihren Rassismus und ihre Homophobie weiterhin die wachsende Forderung der Öffentlichkeit ignorieren kann, dieselben giftigen Inhaltsstoffe aus ihrem Standardrezept zu entfernen.

Vielleicht wird der Smith-Vorfall, der offenbar auf einer Zurschaustellung männlicher Dominanz beruht, in der Unterhaltungsbranche einiges Nachdenken über ihre eigene grassierende Heuchelei auslösen. Hoffen wir es, denn wenn die Oscar-Verleihung jemals wirklich alle Segmente unserer Gesellschaft repräsentieren soll, egal wer sie sind oder wen sie lieben, muss das zuerst in den Filmen geschehen, für die ihre Preise gedacht sind Ehre.

Wir haben zwar einen langen Weg zurückgelegt, aber wir sind noch nicht am Ziel.

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Es war DeBoses erste Oscar- und Oscar-Nominierung. Die Preisverleihung fand im Dolby Theater in Hollywood statt

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HOLLYWOOD – Die aus North Carolina stammende Ariana DeBose, die sich als schwarz-biraziale queere Afro-Latina identifiziert, gewann am Sonntag den Oscar als beste Nebendarstellerin für ihre Darstellung der Anita in Steven Spielbergs Verfilmung von West Side Story.

Der Film basiert auf der mit dem Tony Award ausgezeichneten Broadway-Musicalproduktion von 1957 unter der Regie und Choreographie von Jerome Robbins mit Musik von Leonard Bernstein, Texten von Stephen Sondheim und einem Buch von Arthur Laurents.

DeBose gewann in der Kategorie „Beste Nebendarstellerin“ bereits einen Screen Actors Guild Award, einen Golden Globe und einen BAFTA. Sie gewann den Oscar vor ihren Mitnominierten in dieser Kategorie, darunter Aunjanue Ellis für „King Richard“, Kirsten Dunst für „The Power of The Dog“, Jessie Buckley für „The Lost Daughter“ und Dame Judi Dench für „Belfast“.

„Stellen Sie sich dieses kleine Mädchen auf dem Rücksitz eines weißen Ford Focus vor. Wenn Sie ihr in die Augen schauen, sehen Sie eine offen queere farbige Frau, eine Afro-Latina, die durch die Kunst ihre Kraft im Leben gefunden hat. Und das ist es, woran wir glauben.“ „Wir sind hier, um zu feiern“, sagte DeBose in ihrer Dankesrede.

„Also jedem, der jemals Ihre Identität in Frage gestellt hat oder jemals in der Grauzone lebt, verspreche ich Ihnen Folgendes: Es gibt tatsächlich einen Platz für uns“, fügte sie hinzu.

Es war DeBoses erste Oscar- und Oscar-Nominierung. Die Preisverleihung fand im Dolby Theater in Hollywood statt und wurde von der lesbischen Komikerin Wanda Sykes, den Schauspielerinnen Regina Hall und Amy Schumer moderiert.

Zum ersten Mal seit zwei Jahren rollen die Oscar-Verleihungen den roten Teppich im Dolby Theater in Hollywood aus

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NEW YORK – Während sich die Unterhaltungs-, Film- und Filmszene am Sonntagabend in Los Angeles zur 94. jährlichen Oscar-Verleihung im Dolby Theater in Hollywood versammelt, haben die Redakteure von Associated Press vor der Gala heute Abend die sechs besten Geschichten der Nachrichtenagentur zusammengestellt .

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Das neue Buch eines schwulen Autors befasst sich mit einem Familiengeheimnis und dem Umgang mit Alzheimer

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Der Name des Schriftstellers Wayne Hoffman wird den Lesern von Schwulenliteratur bekannt sein, auch denen, die eine erotische Note an dem, was sie lesen, schätzen. Zu seinen Romanen gehören „Hard“, „Sweet Like Sugar“ und „An Older Man“. Hoffmans journalistische Karriere hat ihm auch eine Anhängerschaft durch Publikationen wie The Nation, Washington Post, Wall Street Journal, Billboard und The Forward sowie das Tablet Magazine eingebracht, wo er derzeit Herausgeber ist. Für sein neues Buch, das Sachbuch „The End of Her: Racing Against Alzheimer’s to Solve a Murder“ (Heliotrope Books, 2022), nutzte er seine Fähigkeiten als Journalist und Geschichtenerzähler, um ein Familiengeheimnis zu lüften während er sich mit der Alzheimer-Diagnose seiner Mutter Susan und dem darauf folgenden Verfall auseinandersetzt. Das Ergebnis ist eine Art „Finding Your Roots“ von PBS, gekreuzt mit Hercule Poirot von Agatha Christie. Hoffman war so freundlich, kürzlich in einem Interview ein paar Fragen zu seinem Buch zu beantworten.

BLADE: Wayne, Sie sind sowohl als Journalist als auch als Romanautor bekannt. Als Sie darüber nachdachten, Ihr neues Buch „The End of Her: Racing Against Alzheimer's to Solve a Murder“ zu schreiben, wussten Sie schon immer, dass Sie die Geschichte in einem Sachbuchformat erzählen würden, oder hatten Sie darüber nachgedacht, sie als Roman zu schreiben?

WAYNE HOFFMAN : Ich wusste, dass es Sachbücher sein würden, weil mein Ziel darin bestand, die Fakten darüber herauszufinden, was wirklich mit meiner Urgroßmutter passiert ist – wurde sie wirklich ermordet und wenn ja, von wem? Ich hätte mir eine Geschichte ausdenken und daraus einen Roman machen können. Aber genau das hatten andere Verwandte im Grunde bereits getan, mit den seltsamen Legenden über sie, die sie als Familienüberlieferung weitergegeben hatten. Ich wollte mich stattdessen so weit wie möglich darauf konzentrieren, die Wahrheit aufzudecken.

BLADE: Welchen Einfluss hatte die Schaffung eines Sachbuchwerks auf Sie als Journalistin, nachdem Sie drei Romane geschrieben hatten?

HOFFMANN : Ich bin an täglichen und wöchentlichen Journalismus gewöhnt – schnell berichten, schnell schreiben, schnell veröffentlichen und schnell weiterkommen. Und ich bin es gewohnt, Romane zu schreiben – ich habe Jahre Zeit, sie zu schreiben und zu überarbeiten. Das war eine neue Kombination: Ich habe berichtet, aber ohne feste Frist. Ich könnte zurückgehen und die Dinge noch einmal überdenken, nach neuen Quellen suchen, Schlussfolgerungen ändern und tausendmal umschreiben. Das ist ein Luxus, den Journalisten selten bekommen. Wenn ich diese Zeit nicht gehabt hätte – wenn ich nach den ersten Wochen oder Monaten veröffentlichen müsste, was ich herausgefunden hatte – hätte ich nicht verstanden, was wirklich passiert ist.

BLADE: Wie viel hat Ihre Zeit als Redakteur beim Forward und gekostet?TabletteIhnen bei Ihrer Recherche nützlich sein?

HOFFMANN : Als Zeitungs- und Zeitschriftenredakteur konnte ich mir vorstellen, was ich sagen würde, wenn ein Autor das, was ich geschrieben hatte, abgeben würde, und sehen, welche Teile noch fehlten. Aber durch die Arbeit speziell in der jüdischen Presse – dem Forward und jetzt dem Tablet – in den letzten 20 Jahren habe ich auch ein umfassenderes Verständnis für den größeren Kontext rund um den Mord an meiner Urgroßmutter gewonnen: die Wellen jiddischsprachiger Einwanderer, die aus Osteuropa nach Nordamerika kamen Wie sie sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts assimilierten und was nicht, wie sie versuchten, nicht nur Familien, sondern größere Gemeinschaften zu gründen, wie sie neue Wege fanden, ihren Lebensunterhalt zu verdienen.

BLADE: Ich bin froh, dass Sie die Einwanderung erwähnt haben, denn „The End of Her“ beinhaltet viele Dinge, darunter auch eine Geschichte über Einwanderer, sowohl amerikanische als auch kanadische, mit einem Schwerpunkt auf Juden in Manitoba, ein Thema, das für viele Leser möglicherweise neu ist. Wie war es, das zu erkunden, sowohl auf persönlicher als auch auf beruflicher Ebene?

HOFFMANN : Es war faszinierend, weil so viel von der Geschichte für mich sowohl unbekannt als auch unerwartet war. Ich wusste, dass es viele Juden gab, die nach Manitoba einwanderten – insbesondere nach Winnipeg, wo sich meine Familie niederließ und meine Urgroßmutter ermordet wurde. Aber ich hätte mir nicht vorstellen können, wie ihr Leben war. Mein Urgroßvater war im Grunde ein Cowboy, der in den Prärien von Saskatchewan ritt und Rinder kaufte; seine Brüder waren mit ziemlicher Sicherheit Raubkopierer. Wer wusste? Als ich in die kleine Stadt Canora in Saskatchewan ging, um mich mit diesem Teil der Geschichte meiner Familie auseinanderzusetzen, hätte ich nie gedacht, dass ich dort landen würde. Aber dann dachte ich: Ich wette, mein Urgroßvater, der in Russland aufgewachsen ist, hat dasselbe gedacht, als er vor hundert Jahren ankam!

BLADE: Auch Religion und religiöse Traditionen spielen eine herausragende Rolle. Das Besondere daran ist, dass sie aus einer schwulen Perspektive beschrieben werden. Auf welche Weise hat die Religion Ihrer Meinung nach Sie zu der Person gemacht, die Sie heute sind?

HOFFMANN : Ich bin in einem traditionellen jüdischen Elternhaus aufgewachsen – ich habe mich koscher gehalten, ging jede Woche in die Synagoge, besuchte jüdische Sommerlager, besuchte eine Hebräischschule und nahm Unterricht im Jüdischen Gemeindezentrum. Es hatte also sicherlich einen großen Einfluss darauf, wer ich heute bin. Das Coming-out als Teenager – als schwul und atheistisch – machte das Ganze noch komplizierter. Einige Dinge sind auf der Strecke geblieben: Ich halte mich nicht mehr koscher und gehe nicht mehr in die Synagoge. Mein Bruder ist Rabbiner und geht für uns beide oft in die Synagoge (lacht). Aber ich identifiziere mich immer noch stark mit der Kultur, und wenn ich für die jüdische Presse arbeite, bin ich jeden Tag tief in die jüdische Kultur und die jüdische Gemeinschaft vertieft – und das alles als ein sehr öffentlicher, sehr offener schwuler Mann. Yeesh! Schauen Sie sich meine Romane an – es gibt keine Möglichkeit, so zu tun, als wäre ich nicht superschwul [lacht].

BLADE: Wie Sie bereits sagten, geht es in „The End of Her“ um Familiengeschichten und darum, so viel wie möglich darüber zu erfahren, während Ihre Mutter, bei der Alzheimer diagnostiziert wurde, sowohl Details liefern kann als auch von der Lösung des Problems Ihrer Urgroßmutter Sarah profitieren kann Mord. Glauben Sie, dass Sie mit diesem Buch andere dazu inspirieren können, alte Familienmythen aufzuklären?

HOFFMANN : Ich hoffe es. Wir verfügen mittlerweile über so viele Werkzeuge, die uns helfen, unsere persönliche Geschichte im Hinblick auf Genetik und DNA zu verstehen. Das sind Dinge, die man anhand eines Blutstropfens oder eines Abstrichs erkennen kann. Aber was ist mit den Teilen unserer Geschichte, die nicht in unserem Blut oder unseren Genen, sondern in unseren Erinnerungen gespeichert sind? Aus Dokumenten kann man viel herausfinden – egal, ob es sich um offizielle Dokumente wie Geburtsurkunden oder persönliche Dokumente wie Briefe handelt. Aber manche Dinge kann man nur von Verwandten und Freunden erfahren, die sich an Dinge erinnern. Je mehr dieser Menschen Sie kontaktieren können – bevor es zu spät ist –, desto aussagekräftiger können Sie sich ein Bild von der Geschichte Ihrer Familie und Ihrer eigenen machen. Das könnte Geheimnisse und Skandale aufklären, oder es könnte Geheimnisse und Skandale aufdecken, von deren Existenz Sie nichts wussten, was vielleicht sogar noch interessanter ist.

BLADE: Wenn Sie über Ihre eigenen Erfahrungen und die Ihrer unmittelbaren Familie im Umgang mit der Alzheimer-Diagnose Ihrer Mutter schreiben, teilen Sie herzzerreißende und verheerende Details. Zum Beispiel die Frustration über Ärzte, die nicht in der Lage sind, die Feinheiten der Behandlung eines Alzheimer-Patienten wie in Kapitel 29 zu verstehen. War es Ihre Absicht, dass das Buch ein Hilfsmittel für andere sein sollte, die etwas Ähnliches durchmachen mussten?

HOFFMANN : Definitiv. Es gibt viele Ressourcen für Menschen, die verstehen möchten, was jemand mit Alzheimer durchmacht – oder durchmachen wird. Aber es gibt nicht genug Geschichten für dieselben Menschen, die zu verstehen versuchen, wie sich die Krankheit auch auf sie als Familienmitglieder, Freunde oder Betreuer auswirken wird. Wir haben unsere eigene Reise und ich hoffe, dass die Leute, die lesen, was ich durchgemacht habe und wie meine Familie mit den Dingen umgegangen ist – die Teile, die wir richtig und falsch gemacht haben, und die Entscheidungen, die wir getroffen haben –, ein bisschen mehr darüber verstehen, worum es geht wirklich gegenüber.

BLADE: Haben Sie begonnen, über Ihr nächstes Buchprojekt nachzudenken oder daran zu arbeiten?

HOFFMANN : Ich habe ein paar Projekte skizziert und sogar begonnen. Irgendwann setze ich mich hin und breite sie auf meinem Schreibtisch aus, und einer von ihnen wird (hoffentlich) mir zurufen: „Ich, ich! Ich bin der Nächste (lacht)!“

Geliebter Schauspieler über Pandemie, Broadway-Geschichte und neue Biografie

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Das Beste an der Lektüre von Memoiren von jemandem mit einer unverwechselbaren Stimme – sowohl in Wort als auch in Schrift – ist, dass man ihm zuhört, während man sein Buch liest. Seien wir ehrlich, der preisgekrönte Autor und Schauspieler Harvey Fierstein gilt als jemand mit einer unverwechselbaren Stimme, und wenn man seine aufschlussreichen Memoiren „I Was Better Last Night“ (Knopf, 2022) liest, könnte man schwören, dass er mit ihm zusammen war Du, beim Austeilen. Harvey war so freundlich, sich kurz vor der Veröffentlichung des Buches im März 2022 Zeit für ein Interview zu nehmen.

KLINGE: Harvey, warum war es jetzt an der Zeit, Ihre Memoiren „I Was Better Last Night“ zu schreiben, und hat der runden Geburtstag (70) im Jahr 2022 etwas damit zu tun?

HARVEY FIERSTEIN : Was wirklich lustig ist, ist, dass so viele Quellen, wenn man online nachschaut, meinen Geburtstag als 1954 angeben, obwohl es eigentlich 1952 ist. Der Grund dafür ist, dass mein Freund Eric Conklin, der die Originalproduktion von „Torch Song“ leitete, als ich 22 wurde „sagte: „Du solltest allen erzählen, dass du 21 wirst.“ Ich sagte Warum?" Er sagte: „Denn wenn du lügst, wenn du älter bist, glaubt es niemand. Aber wenn du mit 21 anfängst, wen zum Teufel soll das schon interessieren!“ In diesem Jahr habe ich meinen Geburtstag auf '53 verschoben. Im nächsten Jahr beschlossen wir, es noch einmal zu tun. Aber ich habe es nie ernst genommen. Die Dinge werden einfach von diesem oder jenem aufgegriffen. Ich glaube, im New York Magazine haben sie die Fakten falsch verstanden und gesagt, meine Eltern seien osteuropäische Einwanderer. Sie waren tatsächlich Amerikaner der dritten Generation. Aber es wurde von allen aufgegriffen und überall hieß es, ich sei der Sohn osteuropäischer Einwanderer. Meine Mutter wurde in Brooklyn geboren und mein Vater wurde in den Catskills geboren. Also habe ich das Buch geschrieben, und natürlich gibt es einen Faktencheck. Jedes Mal, wenn ich mein Alter erwähnte, schickte er eine Nachricht zurück: „Wikipedia sagt, dass du 1954 geboren wurdest. Hier steht, dass du 1954 geboren wurdest.“ Ich musste immer wieder sagen: „Warum sollte ich lügen und mich älter machen? Ich.“ Würde mich nur jünger machen!“ Es ist ein weiteres Beispiel dafür, warum man niemals lügen sollte. Ich bin tatsächlich so alt wie die Berge. Habe ich die Memoiren also wegen des Geburtstages geschrieben? Nein. Wie alle anderen auf der verdammten Welt hat auch diese Pandemie zugeschlagen. Ich war ein sehr guter Junge. Ich setzte mich hin und erledigte die ganze Arbeit an meinem Schreibtisch. Zu dieser Zeit sollten wir im Kennedy Center eine Produktion von „Bye Bye Birdie“ machen. Ich habe die Überarbeitungen dazu abgeschlossen. Ich hatte „Funny Girl“ umgeschrieben, das in London entstand und dann in England auf Tournee ging, und wir brachten es an den Broadway. Ich wollte noch ein paar Änderungen daran vornehmen, also habe ich alle diese Änderungen vorgenommen. „Kinky Boots“ wurde an Kreuzfahrtschiffe verkauft, also musste ich eine Adaption, eine Kürzung der Show machen, wie ich es bereits für „Hairspray“ und andere Shows getan hatte. Das war von meinem Schreibtisch und erledigt. Ich arbeite an einem neuen Musical mit Alan Menken und Jeff Feldman, den Jungs, mit denen ich „Newsies“ geschrieben habe.

KLINGE: Ja, darüber habe ich im Buch gelesen.

FIERSTEIN : Also, das hat mich völlig beschäftigt. Im Grunde war ich fertig. Dann habe ich mich hingesetzt und, wie ich im Buch sage, Quilts gemacht. Ich schuldete ein paar Quilts als Geschenk. Ich ging in mein kleines Nähzimmer und nähte sieben Quilts hintereinander [lacht]. Normalerweise mache ich jedes Jahr eins. Jeder bekam seine Geburtstagsdecken, seine Hochzeitsdecken, was auch immer ihm geschuldet wurde. Ich hatte meinen Schreibtisch aufgeräumt und wir befanden uns immer noch in der Pandemie. Dann sagte mein Agent zu mir: „Warum schreiben Sie nicht Ihre Memoiren?“ Ich sagte: „Weil ich keine Sätze schreibe.“

KLINGE : Du hast das Kinderbuch geschrieben. Das hat Sätze.

FIERSTEIN : Aber das sind Kindersätze. Ich habe Leitartikel geschrieben, aber dafür muss man einfach die Stimme von Edward R. Murrow im Kopf haben oder so etwas in der Art. Das ist auch so, als würde man Dialoge schreiben. Plötzlich bist du Aaron Sorkin. Ich dachte: „Was zum Teufel? Ich habe einen Computer. Lass es mich versuchen.“ Ich habe vier Kapitel geschrieben und sie an meinen Agenten geschickt. Sie sagte: „Das ist großartig!“ Sie schickte die Kapitel an, glaube ich, neun Verlage, und acht der neun machten Angebote.

KLINGE : Es gibt im gesamten Buch zahlreiche kraftvolle Momente. Ohne zu viel zu verraten…

FIERSTEIN : Oh, los, verschenkt es! Ich weiß schon, was passiert.

KLINGE: Aber ich möchte es den Lesern nicht verderben.

FIERSTEIN : Das ist richtig. Gott verdammt.

KLINGE : Kapitel 57 enthält eine der emotionalsten Sequenzen mit deinen Eltern. Kann man mit Recht sagen, dass das Schreiben des Buches eine kathartische Erfahrung war?

FIERSTEIN : Ja, das Ganze ist wirklich so. Als ich anfing, fragte ich Shirley MacLaine, weil sie 300 Bücher über ihre 700 verschiedenen Leben geschrieben hat. Sie sagte: „Schreiben Sie, woran Sie sich erinnern, denn Ihr Gehirn kann es bearbeiten, und es wird Ihnen das geben, was Sie für dieses Buch brauchen. Sie werden sich Dinge für andere Bücher und andere Dinge merken, aber schreiben Sie, woran Sie sich erinnern, und bleiben Sie einfach wahr.“ auf das, was kommt.“ Ich sagte: „Sogar über andere Leute?“ Sie sagte: „Ja. Wenn du über andere schreibst, schreibst du in Wirklichkeit über dich selbst. Vertraue dem einfach.“ Das ist, was ich tat. Es gab Hunderte von Geschichten, die ich hätte erzählen können. Ich habe einfach versucht, einem Gedankengang zu folgen und ihn geschehen zu lassen.

KLINGE: Das ist interessant, weil die Kapitel in „I Was Better Last Night“ in chronologischer Reihenfolge dargestellt sind, beginnend im Jahr 1959 und endend im Jahr 2022. Sind sie so geschrieben?

FIERSTEIN Ja, ich habe es genau so geschrieben, wie es ist. Wie Sie sagen, wusste ich, dass dieses spezielle Kapitel kommen würde, weil ich wusste, was passierte, um diese Erinnerung zurückzubringen. Ich versuche es so zu sagen, wie Sie es gesagt haben, es nicht zu verraten. Was passierte zwischen mir und meinem Bruder, als er sich hinsetzte, um die letzte Wiederaufnahme von „Torch Song“ anzusehen? Mein Redakteur war unglaublich sanft zu mir. Ab und zu sagte er, fügen Sie hier oder da mehr hinzu. Aber die einzige wirkliche Anmerkung, die ich von ihm bekam, war, dass er diese Geschichte in eine chronologische Reihenfolge bringen wollte, da der Rest des Buches dies auch tut. Ich sagte: „Nein. Das ist emotional geordnet.“

KLINGE: Es musste dort sein, wo es war.

FIERSTEIN : Genau! Die meisten Autobiografien von Prominenten beginnen mit „Ich war ein Kind, als ich eine Show sah und sagte: ‚Ich möchte auch ein Star sein!‘“ Was offensichtlich nicht meine Geschichte ist. Ich wollte nie im Showgeschäft tätig sein. Ich wollte kein Schriftsteller werden. Ich wollte kein Schauspieler oder Drag-Darsteller werden. Es war überhaupt nicht mein Traum. Deshalb war es so wichtig, es chronologisch zu machen. Ich wollte zeigen, wie ich mein Leben gelebt habe und dabei dem Moment treu geblieben bin, in dem ich mich befand.

KLINGE : In „I Was Better Last Night“ nehmen Sie die Leser mit auf eine Reise durch das moderne Theater, von The Gallery Players und La Mama bis hin zum Off-Broadway und Broadway. Würden Sie vor diesem Hintergrund zustimmen, dass das Buch nicht nur eine Erinnerung ist, sondern auch als Lektion in Theatergeschichte dient?

FIERSTEIN : Ich denke, das stimmt. Das wurde mir sicherlich von einigen Leuten gesagt, die das Buch gelesen haben. Als ich mit Patti LuPone darüber sprach, sagte sie: „Mensch, ich wünschte, ich hätte getan, was du getan hast. Sie kam durch die Theaterschule und direkt ins Echte, nicht durch das Experimentelle. Wie ich im Buch sage, bin ich gekommen.“ Ich hatte eine Kunstschule, also habe ich es immer als eine Kunst betrachtet. Theater war Teil einer Kunstbewegung, und ich engagierte mich, weil ich Andy Warhol treffen wollte. Ich wusste nicht, dass sie mich in die Tracht stecken würden. Ich schätze, es gibt einen Geschichte dort. Sicherlich, wenn ich mich umschaue und auf die Menschen schaue, mit denen ich aufgewachsen bin – Kathleen Chalfant und Obba Babatundé – und natürlich wurde La Mama zu etwas Größerem. Es gab viele andere. Ich traf Matthew (Broderick ) mit 18, oder Estelle Getty, eine Hausfrau aus Bayside, Queens. Sie wollte nicht einmal zugeben, dass sie aus Bayside kam. Sie erzählte allen, dass sie aus Long Island kam [großes Lachen]. Ich sagte: „Estelle!“ Bayside liegt in Queens. Halt die Klappe!“ Was ist Geschichte? Schließlich ist Geschichte nur Tag für Tag für Tag für Tag. Ich habe als Baby in diesem experimentellen Theater angefangen. Ich wünschte, dass es das experimentelle Theater noch wirklich gäbe. Wir waren ein paar Ich würde sagen, dass es Off-Off-Broadway zerstört hat. Ich denke, Gier hat Off-Off-Broadway zerstört. Ich denke, was passierte, als die Leute sahen, wie Tom O'Horgan es schaffte, als „Hair“ ein Hit wurde, das hatte viel zu bieten von Leuten, die fragen: „Wo sind meine ‚Haare‘?“

KLINGE : Aber glauben Sie nicht, dass es experimentelles Theater in Städten geben könnte, in denen es etwas erschwinglicher ist, so etwas zu machen? Sagen wir, Austin, Texas.

FIERSTEIN : Experimentelles Theater wird es immer geben. Es ist nur so, wie wird es betrachtet? Gibt es dafür staatliche Mittel? Ich höre viele Leute sagen: „Verschwenden wir kein Geld für Theater.“ „Torch Song Trilogy“ wäre ohne eine staatliche Förderung nicht das gewesen, was sie war. Ich weiß nicht, ob Sie das wissen, aber ich habe der New York Public Library im Lincoln Center gerade ein Stipendium für den Bau eines Theaterlabors gegeben, weil Proberäume in New York unglaublich teuer und fast unmöglich zu finden sind. David Rockwell entwirft es und ich hoffe, dass es in zwei Jahren eröffnet wird. Ich erzähle in dem Buch eine Geschichte darüber, wie wir vor Jahren im YMCA probten und der Regisseur einfach verschwand und uns die Rechnung für den Proberaum hinterließ. Wenn ich einen Proberaum hinter mir lassen kann ... Lin-Manuel (Miranda) entwickelte „Hamilton“ im Keller des Drama Book Shops. Für meine Shows nutzte ich den Keller von La Mama, einen kleinen Raum, der aber groß genug war, um zu proben und zu entwickeln, was wir tun mussten. Ich habe dort sogar ein paar Shows gemacht.

KLINGE : Die Kapitel 19 bis 22 geben den Lesern Einblick in die Inspiration und das Schreiben der „Torch Song Trilogy“ und viel später schreiben Sie über die jüngste Wiederbelebung mit Michael Urie. Wie war es, die Entstehung und Überarbeitung der „Torch Song Trilogy“ noch einmal Revue passieren zu lassen?

FIERSTEIN : Sie sind deine Kinder, also verlassen sie dich nie wirklich. Du denkst vielleicht nicht immer auf die gleiche Weise an sie, aber sie verlassen dich nicht. Wenn Sie eine Mutter nach ihrem sechsjährigen Sohn fragen, kann sie Ihnen eine Geschichte aus dieser Zeit erzählen. Das bedeutet nicht, dass Sie jeden Tag mit diesen Geschichten leben. Aber sie sind immer da. Wenn man älter wird und die Leute an einem sterben, erinnert man sich leider immer wieder an sie oder greift immer wieder auf diese Geschichten zurück, um sich daran zu erinnern, wie man sich alle kennengelernt hat und so weiter. Bei so etwas wie Torch Song, das so sehr ein Teil meines Lebens ist, war es kein wirklicher Schock, zurückzugehen und sich das Zeug noch einmal anzuschauen. Es war auch kein Schock, Michael dabei zuzusehen, da ich alle meine Zweitstudenten besetzt hatte. Die Show lief fünf Jahre lang am Broadway, aber ich habe sie nicht alle fünf Jahre gespielt. Es gab noch andere Arnolds und ich habe sie alle gesehen. Es gab Matinee-Arnolds, und dann hatten wir eine Bus- und LKW-Tour und eine reguläre Tour. Ich habe alle diese Jungs spielen sehen. Ich habe es in London bei Tony Sher gesehen, der vor ein paar Wochen verstorben ist. Er gewann den Olivier für „Torch Song“. Eine Abhandlung zu schreiben ist kein Anlass, anderen Menschen die Schuld zu geben [lacht]. Wenn Sie Theaterstücke schreiben, ist das so.

KLINGE : Ich bin so froh, dass Sie das gesagt haben, denn eines der Dinge, die meiner Meinung nach den Lesern an „I Was Better Last Night“ auffallen werden, ist die brutale Ehrlichkeit, mit der Sie über Alkoholismus und Nüchternheit sowie Ihren Selbstmordversuch schreiben. Was erhoffen Sie sich von den Lesern daraus?

FIERSTEIN : Es gibt einen bestimmten Punkt, an dem man so etwas schreibt … Das ist mir eigentlich egal [lacht]. Ich musste die Wahrheit sagen und Sie hoffen, dass die Wahrheit Gutes bewirkt. Wenn Sie Belletristik schreiben, ist es Ihnen wichtiger, wie sie gelesen wird und was jemand aus der Fiktion mitnimmt. Wenn man Sachbücher schreibt, sagt man: „Das ist passiert, ob es dir gefällt oder nicht, Cookie.“ Die einzige Hoffnung besteht darin, dass ich hoffe, dass Sie wissen, dass ich es so gut wie möglich erzähle und ehrlich bin. Weil die Wahrheit die Menschen betrifft, das weiß ich. Wenn Sie ein Drama schreiben, manipulieren Sie ein Publikum, eine Geschichte und Emotionen. Als ich das Buch schrieb, war es natürlich immer noch eine Kunst, aber ich wende mich nicht von etwas ab, weil es unbequem ist. Ich werde es sagen. Wenn jemand denkt, ich sei ein Arschloch, soll er mich für ein Arschloch halten. Sie haben das Buch gelesen und danken Ihnen vielmals dafür.

KLINGE: Das ist mein Beruf!

FIERSTEIN : Sie sehen im Buch, dass ich keine Antwort auf mein eigenes Geschlecht habe. Wäre ich 1980 statt 1952 geboren, wäre ich jetzt eine Frau? Ich weiß nicht. Ich habe diese Antworten nicht. Ich habe nicht den Luxus, in einer anderen Gesellschaft geboren zu werden. Die erste (Trans-)Person, die ich kannte, war Christine Jorgensen, die starb, weil sie mir Geld schuldete, diese Schlampe [lacht]. Als ich das Buch schrieb, habe ich Fotos durchgesehen. In dem Buch gibt es ein Bild von mir und Marsha P. Johnson und Jon Jon, die an einem Gay-Pride-Marsch teilnehmen. Ich habe das Bild hochgeladen und jemand hat mir geschrieben und mir von Marsha erzählt, als müsste man wissen, wer diese Person war. Ich fragte: „Wovon redest du? Das war ein Freund von mir!“

KLINGE : Vielen Dank für die Erwähnung von Bildern. Ich wohne vier Blocks südlich von Wilton Manors in Fort Lauderdale. Sie fügen dem Buch ein Foto des Straßenschilds von WiltonArt.com bei, auf dem ein Zitat von Ihnen abgebildet ist. Was bedeutet es für Sie, auf diese Weise verewigt zu werden?

FIERSTEIN : Es ist zwar sehr schmeichelhaft, aber an einer anderen Stelle, die ich mir angesehen habe, stand, dass Walt Whitman es gesagt hat! Mit der einen Hand fühlt man sich geschmeichelt und mit der anderen bekommt man eine Ohrfeige.

KLINGE: Zumindest haben sie in Wilton Manors die Namensnennung richtig verstanden.

FIERSTEIN : Das ist schön, es ist wirklich schön. Es ist schön zu sehen, dass etwas das miteinander verbindet. Ich schaute mir ein Interview mit Billy Porter an und wie zufällig gingen sie den Block entlang, wo sich an einer Gebäudewand ein Wandgemälde mit seinem Porträt befand. Als ob: „Oh, ich wusste nicht, dass das da ist!“ Du lachst irgendwie, ja, richtig! Sie haben ein Filmteam mitgebracht, weil Sie nicht wussten, dass Ihr Bild an der Wand hängt [lacht]. So etwas mit Berühmtheiten ist immer lustig. Vor allem, wenn man Freunde hat, die berühmt sind, und man versucht, einfach nur menschlich zu sein, aber wenn man dann in die Öffentlichkeit geht, merkt man, dass sie der Öffentlichkeit etwas ganz anderes bedeuten als einem.

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